Stile Liberty: ingresso nel XX secolo
A cavallo tra il XIX e il XX secolo, in molti paesi d'Europa si affermò una nuova concezione dell'arte. Sotto il nome di Jugendstil in Germania, Art Nouveau in Francia, Modern Style in Inghilterra, Liberty in Italia, Secessionsstil in Austria o Modernismo in Spagna, diverse associazioni di artisti progressisti proclamarono un concetto moderno per arte, architettura e artigianato. Lo Stile Liberty doveva essere cosmopolita, innovativo e progressista. La sua arte non doveva essere esposta soltanto nei musei, ma diventare parte della vita quotidiana del maggior numero possibile di persone. Parallelamente, gli artisti svilupparono un nuovo linguaggio visivo e formale. Caratteristiche tipiche dello Stile Liberty sono l'uso di ornamenti e motivi floreali, nonché il riferimento alla natura.
Come nacque lo Stile Liberty?
Il nuovo concetto artistico ebbe origine nella situazione della fine del XIX secolo. A molti artisti in Europa sembrava che l'arte fosse in crisi: nelle arti figurative dominava lo storicismo, che aveva reclutato i suoi elementi stilistici da diverse epoche precedenti come il gotico, il Rinascimento, il barocco o il romanico. Questo ricorso a epoche più antiche offriva motivo di critica soprattutto perché, con uno stile orientato al passato, non era possibile rappresentare gli sviluppi attuali nell'arte, nella cultura e nella società. Inoltre, non erano oggetto di critica soltanto le arti figurative, ma anche l'artigianato e le attività produttive. La progressiva industrializzazione consentiva sì una moderna produzione in catena di montaggio, ma qui spesso si attribuiva troppo poco valore all'estetica e alla qualità. Il risultato era una merce di massa economica, spesso kitsch e banale. Inoltre, il rapido sviluppo tecnico, così come il comportamento di consumo e le nuove forme di intrattenimento, comportavano un'alienazione dalla natura. Per contrastare questi problemi e tendenze, pittori, scultori, architetti e artigiani artistici si organizzarono in molti paesi d'Europa e si impegnarono per un cambiamento fondamentale nell'arte e nella società.
Lo Stile Liberty come linguaggio universale per arte, design e architettura
Stile Liberty, Art Nouveau e altre correnti artistiche affini aspiravano a un ripensamento su più livelli. Innanzitutto si trattava di superare lo stile conservatore dello storicismo. Un'arte contemporanea non poteva nascere da un linguaggio visivo e formale in parte già vecchio di secoli, secondo la convinzione degli artisti dello Stile Liberty. Le nuove forme di espressione artistica dovevano invece essere originali, individuali e moderne. Ma gli artisti dello Stile Liberty si occuparono anche dell'autoconcezione dell'arte. Questa doveva presentarsi in modo meno elitario e avere più spazio nella vita quotidiana delle persone. Strettamente connesso a ciò era il superamento dell'idea superata di arti "superiori" e "inferiori". Nella concezione accademica tradizionale dell'arte, si riteneva di poter classificare le arti figurative come di valore superiore rispetto all'artigianato artistico e al design degli oggetti quotidiani. Anche contro questo si opposero gli artisti dello Stile Liberty, perché solo con una parità tra le discipline si poteva radicare l'arte nella vita del maggior numero possibile di persone. Artisti, architetti e artigianato artistico dovevano sviluppare insieme uno stile che poi potesse trovare applicazione nel maggior numero possibile di ambiti della vita – dalla pittura e dalla scultura all'architettura degli edifici fino al design di gioielli, moda, mobili, stoviglie e molti altri accessori della vita quotidiana. Nella produzione di oggetti d'uso si doveva inoltre prestare maggiore attenzione a materiali di alta qualità, a una lavorazione solida e alla funzionalità. In linea di principio, tutti i prodotti dovevano essere realizzati secondo i criteri dell'artigianato tradizionale, con l'intento di contrastare la produzione di massa senz'anima. L'idea degli artisti dello Stile Liberty di un'arte applicata – in senso positivo – non era tuttavia del tutto nuova. Già a metà del XIX secolo, il movimento britannico "Arts-and-Crafts" aveva sostenuto una filosofia molto simile. Anche per esso la produzione di massa nelle fabbriche era una spina nel fianco e voleva opporre a questo sviluppo impulsi artistici e un'elevata pretesa di qualità. Inoltre, anche gli artisti "Arts-and-Crafts" perseguivano un approccio universale, nel quale arte, lavoro e società dovevano essere visti in un contesto comune.
Caratteristiche dello Stile Liberty: ritorno alla natura con molti ornamenti
Per il concetto di un'arte universale e contemporanea serviva anche un nuovo linguaggio visivo e formale. Questo doveva essere progressista e innovativo e non limitarsi a ripetere le caratteristiche stilistiche di epoche passate, come faceva lo storicismo. Gli artisti dello Stile Liberty cercarono l'ispirazione per lo sviluppo del loro stile in forme e motivi quali si trovano nel mondo vegetale. Con i riferimenti a fiori, boccioli e alberi, gli artisti dell'epoca dello Stile Liberty cercarono di riavvicinare il pubblico alla natura. Per questo, però, non copiarono le forme delle piante, ma si lasciarono ispirare da esse per motivi e strutture spesso astratti e giocosi, con linee fluide. Tali ornamenti floreali non furono più utilizzati soltanto come elementi decorativi accessori, ma in parte celebrati su grandi superfici. Tuttavia gli artisti dello Stile Liberty non trassero dalla flora e dalla fauna soltanto il loro design, ma anche molti dei loro motivi. Così fecero spesso di paesaggi, animali e scene nella natura il tema. Ma anche i ritratti rientravano tra i soggetti frequenti. Soprattutto le donne erano qui molto amate come motivo. Erano considerate simboli di naturalezza, bellezza e armonia e venivano rappresentate con ampie vesti colorate, con capelli fluenti e adornate di fiori. Tutte queste caratteristiche dello Stile Liberty posero le basi per la desiderata distinzione dallo storicismo e per l'ingresso in un'arte moderna del XX secolo.
L'epoca dello Stile Liberty segnò in modo duraturo la storia dell'arte
Anche se il periodo di massimo splendore dello Stile Liberty durò solo circa 20 anni, esso ebbe una grande influenza sull'arte, sull'architettura e sul design del suo tempo e lasciò inoltre tracce anche nelle epoche dei decenni successivi. Così lo Stile Liberty è considerato un impulso importante per lo sviluppo dell'arte moderna e per l'avanguardia all'inizio del XX secolo. Alcune delle caratteristiche e idee dello Stile Liberty sarebbero poi ricomparse in diverse correnti artistiche – sebbene in forma un po' modificata –, per esempio nell'Art déco, nel Bauhaus o nel surrealismo. Inoltre, dall'epoca dello Stile Liberty emersero molti artisti importanti. Nel campo della pittura, in relazione allo Stile Liberty, spicca soprattutto un nome: Gustav Klimt. Senza dubbio, la sua attività fece progredire in modo decisivo il nuovo movimento artistico in Austria. Con "Il bacio" e "Adele Bloch-Bauer I" creò non solo due dei dipinti più famosi di tutti i tempi, ma fu anche tra i fondatori della "Secessione viennese", che come istituzione artistica con una propria sede espositiva e una propria rivista promosse in modo decisivo l'avanguardia in Austria. Tra gli altri artisti importanti dell'epoca dello Stile Liberty figurano, tra molti altri, Alphonse Mucha, Josef Hoffmann, Koloman Moser, Louis Comfort Tiffany o Peter Carl Fabergé. Anche nel XXI secolo, Stile Liberty, Art Nouveau e Co. sono ancora straordinariamente richiesti. Alcune opere d'arte nate nell'epoca dello Stile Liberty appartengono alle più note e costose della storia dell'arte e anche l'architettura Stile Liberty caratterizza ancora oggi il paesaggio urbano di molte città europee come Paris, Prag, Wien, Brüssel, Barcelona o Berlin.
