Opulenza, idillio e grandi gesti: la pittura del Barocco

La pittura del Barocco impressiona ancora oggi per il suo splendore e la sua opulenza unici. Si distingue per la grande ricchezza di dettagli, i colori intensi e le scene drammatiche. L'epoca del Barocco era nata dal Rinascimento e durò circa dal 1600 al 1750. Da questa epoca provengono numerose opere d'arte, note ancora oggi.

Famosi artisti della pittura barocca furono

• Jan Vermeer,
• Michelangelo Merisi da Caravaggio,
• Rembrandt van Rijn,
• Peter Paul Rubens e
• Jan Brueghel der Ältere.

Crisi religiose e politiche nel Barocco

L'arte di questa epoca irradia una bellezza in parte ammaliante. Eppure lo stile del Barocco si era sviluppato in tempi inquieti. In seguito alla Guerra dei Trent'anni, all'assolutismo e alla Controriforma, la società si mostrava profondamente divisa e martoriata.

L'evento più incisivo nel periodo del Barocco fu la Guerra dei Trent'anni. Come conseguenza immediata della Riforma a partire dal 1517, essa aveva precipitato l'Europa in una profonda crisi. Dopo la scissione della Chiesa, protestanti e cattolici si affrontarono in scontri accaniti. Ma nella Guerra dei Trent'anni furono combattute anche rivendicazioni territoriali. Gli effetti sulla popolazione furono catastrofici. Molte persone morirono in guerra e si diffusero malattie ed epidemie. Inoltre fame e freddo fecero numerose vittime. Secondo le stime, circa un terzo della popolazione tedesca avrebbe perso la vita in guerra o a causa delle conseguenze della guerra.

La grande sofferenza di ampie parti della popolazione era in netto contrasto con lo stile di vita della nobiltà e della classe alta. In molti paesi europei l'assolutismo si affermò come forma di governo. Molte monarche e molti monarchi si consideravano "voluti da Dio" e rivendicavano per sé il potere completo su Stato e popolo. Ciò andava di pari passo con l'oppressione e lo sfruttamento della maggioranza delle persone del paese. A differenza della popolazione povera, i potenti si concedevano uno stile di vita sfarzoso. Vivevano in un lusso dispendioso e si permettevano edifici sontuosi.

Accanto alla Guerra dei Trent'anni e all'assolutismo, anche la Controriforma plasmò l'epoca del Barocco. Nel Rinascimento precedente Martin Luther e la Riforma avevano scosso le fondamenta della religione. Il risultato fu la perdita dello status fino ad allora indiscusso del Cattolicesimo come unica Chiesa e l'affermazione del Protestantismo. Inoltre l'Umanesimo portò l'uomo al centro di ogni pensiero e azione. Anche per questo la Chiesa perse influenza.

Nel Barocco questo processo si invertì in parte di nuovo. La Chiesa cattolica riuscì a limitare l'avanzata del Protestantismo e a rafforzare la propria posizione. In questo, le belle arti come mezzo di comunicazione e quindi anche la pittura del Barocco svolsero un ruolo importante.

La situazione precaria in Europa ebbe conseguenze completamente diverse per la quotidianità della nobiltà e del popolo. La classe dominante si crogiolava nel lusso. Proprio secondo il motto "Carpe diem", assaporava la vita a piene mani. La maggior parte della popolazione, invece, era impegnata nella lotta per la sopravvivenza e si confrontava quotidianamente con morte e sofferenza. Qui dominavano pessimismo e cupe prospettive future.

Le contraddizioni di questa epoca si rispecchiavano anche nella pittura del Barocco. Così, per esempio, le scene di genere mostravano feste allegre, mentre al tempo stesso le nature morte, con il loro pensiero della Vanitas, ricordavano la finitezza della vita.

I temi figurativi più frequenti della pittura del Barocco

Che cosa è tipico della pittura barocca? La pittura del Barocco beneficiò, nei motivi, del Rinascimento che l'aveva preceduta. Le artiste e gli artisti di questa epoca avevano svolto un importante lavoro pionieristico e ampliato notevolmente la gamma dei temi figurativi del Medioevo.

Accanto alle rappresentazioni di nobiltà, clero e scene bibliche, anche la persona semplice poté ora affermarsi come motivo della pittura. Inoltre furono poste le basi per la pittura di paesaggio e per raffigurazioni di animali. La pittura barocca accolse molti di questi impulsi e li sviluppò ulteriormente. Ma in questa epoca si aggiunsero anche alcuni nuovi soggetti.

La pittura barocca: scene dalla Bibbia e dalla mitologia

Caratteristiche tipiche della pittura barocca erano motivi dalla Bibbia e dalla mitologia. Nel Rinascimento la Chiesa cattolica aveva perso influenza a causa della Riforma, dell'Umanesimo e di discordie interne. Nel corso della Controriforma riuscì però gradualmente a recuperarla.

In questo aiutò anche, come importante strumento, l'arte figurativa. Con le scene bibliche le cattoliche e i cattolici tracciavano il confine tra loro e le protestanti e i protestanti. Inoltre le immagini dovevano ricordare ai credenti di condurre una vita timorata di Dio e morale. Con diversi motivi la Chiesa cercava di raggiungere questo scopo: con il Giudizio Universale, il cielo e l'inferno si metteva in guardia da una vita peccaminosa. Malattie e catastrofi naturali venivano prospettate come punizioni. Ma anche temi figurativi tradizionali come Gesù, Maria, angeli o immagini di scene bibliche dovevano ricordare l'onnipresenza della Chiesa.

La pittura di ritratto divenne sempre più amata

Nell'arte del Barocco la pittura di ritratto compì progressi significativi. In questa epoca, per molte artiste e molti artisti, la pittura su commissione divenne un'importante fonte di reddito. Accanto al clero, soprattutto i ricchi mercanti si facevano ritrarre. Anche la nobiltà continuava ad appartenere ai committenti importanti della pittura del Barocco.

I sovrani che governavano in modo assolutistico in quel tempo perseguivano con gli imponenti autoritratti un obiettivo chiaro. I ritratti dovevano dimostrare il loro potere e impressionare gli osservatori. Una postura eretta e dominante, abiti preziosi e un nobile interno trasmettevano superiorità e autorità dei monarchi. Alcune artiste e alcuni artisti del Barocco scelsero però come motivi anche rappresentanti di altri strati sociali inferiori, per esempio domestiche o contadini.

Le nature morte divennero simbolo della caducità

Con le nature morte, nell'epoca del Barocco poté affermarsi un ulteriore nuovo genere. Rappresentazioni di oggetti inanimati, completamente indipendenti dalle persone, erano prima ancora inusuali nella pittura. Dall'inizio del XVII secolo ciò cambiò. Molte artiste e molti artisti della pittura barocca cominciarono a dedicarsi alle nature morte. Dipingevano mazzi di fiori, cesti di frutta, armi, strumenti o anche trofei animali. Ma un significato particolare lo raggiunsero i cosiddetti dipinti "Vanitas".

La pittura di paesaggio si sviluppò in un genere autonomo

Accanto alle nature morte, con i paesaggi poté svilupparsi un ulteriore genere in cui le persone non avevano alcun ruolo o solo un ruolo subordinato. I paesaggi puri erano considerati nella pittura, fino a quel momento, non degni di essere mostrati. Servivano al massimo come sfondi o quinte dell'immagine. Dapprima la pittura del Rinascimento, più tardi anche la pittura barocca, portarono qui un ripensamento fondamentale. La natura e il mondo animale furono da allora percepiti diversamente e scoperti come motivi autonomi.

La pittura di paesaggio barocca mostrava ora ampie distese con montagne, alberi, campi e prati, nonché fiumi, laghi e marine con navi. Ma anche l'architettura, per esempio castelli, fortezze o piccoli villaggi, fu scoperta dai pittori e dalle pittrici come tema figurativo. Un ruolo particolare lo svolgeva sempre l'atmosfera della scena. albe, tramonti, nebbia o imponenti formazioni nuvolose creavano un'atmosfera impressionante.

Le scene di genere mostravano la vita sociale

Non solo nature morte e paesaggi, ma anche la pittura di genere acquisì importanza nel Barocco. Le scene bibliche e mitologiche avevano perso popolarità in seguito alla Riforma. Al loro posto le artiste e gli artisti si interessarono ora alla vita quotidiana delle persone. Dipingevano gruppi più grandi di persone impegnate in attività molto quotidiane. Così la pittura barocca mostrava ora spesso feste, danze e immagini familiari, ma anche scene dalla quotidianità lavorativa come il lavoro domestico o l'agricoltura.

Caratteristiche tipiche della pittura del Barocco: tecnica e stile

La pittura barocca è diventata l'emblema di un'arte opulenta, filigranata ed emozionale. Con diverse tecniche e forme di rappresentazione, le artiste e gli artisti del Barocco riuscirono a dare vita alle scene dei loro dipinti.

La pittura barocca appare molto realistica

Tra le caratteristiche evidenti della pittura barocca rientra la sua forma di rappresentazione particolarmente realistica. Le artiste e gli artisti attribuivano grande importanza al fatto che persone e oggetti apparissero il più naturali possibile. Per questo elaboravano i dettagli e le proporzioni degli oggetti in modo molto meticoloso. Anche le condizioni di luce, così come la prospettiva e la spazialità corrette, svolgevano un ruolo importante nella pittura del Barocco.

Un'ulteriore caratteristica della pittura barocca, che garantisce un'impressione figurativa reale, è la vivacità. Le scene mostrate sembrano come se fossero davvero in movimento. I pittori e le pittrici coglievano spesso le figure nel mezzo di sequenze di movimento e le mostravano in pose agili. Tensione corporea ed espressioni del volto dei protagonisti e delle protagoniste fanno partecipare gli osservatori direttamente all'accaduto.

Con una rappresentazione vivace si doveva annullare il confine tra dipinto e realtà. In questo modo i messaggi dovevano poter agire in modo ancora più incisivo. Quanto più realisticamente erano dipinte le scene, tanto più facilmente potevano suscitare emozioni e consentivano agli osservatori di identificarsi con il contenuto.

La pittura del Barocco: dramma ed emozioni

Le artiste e gli artisti cercavano di rappresentare gli oggetti dell'immagine nel modo più realistico possibile. Il contenuto, l'atmosfera e l'espressione delle immagini, invece, potevano senz'altro apparire inscenati e costruiti.

Vi era la tendenza a esagerare e drammatizzare le scene figurative. Così le artiste e gli artisti facevano apparire alcuni protagonisti particolarmente aggressivi o vigorosi. Inoltre mettevano in risalto la bellezza di alcune persone o mostravano paesaggi innaturalmente idilliaci. In questo modo le artiste e gli artisti volevano trasformare i loro dipinti in esperienze particolarmente sensuali.

Chiaro e scuro come mezzo per maggiore vivacità ed espressione

Anche con diversi mezzi artigianali i pittori e le pittrici del Barocco cercarono di rafforzare l'impressione intensa e realistica delle loro opere.

Inoltre i pittori e le pittrici potevano definire chiaramente le proporzioni di persone e oggetti attraverso luce e gioco d'ombre. Questo faceva apparire i soggetti figurativi molto plastici. Attraverso chiaro e scuro le artiste e gli artisti potevano inoltre simulare spazialità e stabilire le posizioni degli oggetti nello spazio. Infine, i pittori e le pittrici utilizzavano i contrasti anche come mezzo di messa in scena, conferendo così tensione e drammaticità alle scene figurative.

Con colori luminosi e tecnica "Impasto" verso un'atmosfera intensa

Anche con una speciale applicazione del colore i pittori e le pittrici del Barocco cercarono di intensificare l'impressione dell'immagine. La loro tavolozza cromatica era composta principalmente da colori luminosi e intensi. Utilizzavano i colori anche per sottolineare l'importanza di oggetti figurativi selezionati. Così sceglievano per figure e oggetti importanti toni luminosi come rosso rubino, argento, blu scuro, verde intenso o oro nell'arte.

Per rendere l'impressione dell'immagine particolarmente vivace, i pittori e le pittrici del Barocco svilupparono inoltre una tecnica speciale. Nel procedimento definito "Impasto" le artiste e gli artisti applicavano i colori in determinati punti prominenti del dipinto in modo completamente coprente, in parte anche pastoso. Con questa tecnica non potevano solo accentuare sezioni dell'immagine. La superficie dell'immagine leggermente irregolare creava inoltre l'impressione di vivacità e dinamismo.

Pittura barocca: artisti famosi e le loro opere

Numerose artiste e numerosi artisti del Barocco sono ancora oggi ampiamente noti. Anche molti dipinti, i cui motivi sono ancora oggi molto amati, provengono da questa epoca.

Uno dei più importanti artisti di questo tempo fu Jan Vermeer van Delft (1632–1675). Creò solo 37 opere e quindi relativamente poche. Il pittore olandese lavorò in diversi generi come pittura di storia, paesaggi e scene di genere. La sua opera più significativa, tuttavia, è un ritratto: "La ragazza con l'orecchino di perla" (ca. 1665). Ma anche ulteriori motivi come "La lattaia" o "Ragazza che legge una lettera davanti alla finestra aperta" sono ancora oggi molto popolari.

Un altro artista della pittura barocca, oggi anch'egli molto famoso, è Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606–1669). Il nome del pittore olandese divenne l'emblema di un'arte magistrale e non da ultimo molto costosa. Da lui provengono tra l'altro:

• "Autoritratto con Saskia",
• "La lezione di anatomia del Dr. Nicholas Tulp" e
• "La ronda di notte".

Tra gli artisti ugualmente molto importanti del periodo Barocco vi era Peter Paul Rubens (1577–1640). Il pittore fiammingo si dedicò a scene opulente di religione e mitologia, ma anche a paesaggi e ritratti. Il suo nome oggi è però legato soprattutto a rappresentazioni di nudo di uomini e donne opulenti. Tra le sue opere più note rientrano

• "L'adorazione dei Magi",
• "Le tre Grazie",
• "Danza contadina",
• "Venere e Adone" e
• il suo autoritratto dell'anno 1638.

Anche Jan Brueghel d. Ä. (1568–1625) proveniva dalle Fiandre. Il pittore chiamato anche "Brueghel di velluto" o "Brueghel dei fiori" creò sia nature morte ("Mazzo di fiori") e paesaggi ("Paesaggio fluviale"), sia motivi religiosi ("Gli animali dell'arca di Noè") e dipinti storici ("La battaglia di Isso").

Molti altri artisti della pittura barocca sono ancora oggi famosi e amati, per esempio:

• Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571–1610),
• Diego Velázquez (1599–1660),
• Jan van Goyen (1596–1656) o
• Annibale Carracci (1560–1609).

Le loro opere e quelle di altri artisti dell'epoca continuano a essere molto apprezzate e in molti musei del mondo appartengono alle grandi attrazioni per il pubblico.