Espressionismo: Una pittura piena di forza ed emozioni

L'Espressionismo ha segnato l'arte della Modernità come quasi nessun altro stile. Le sue artiste e i suoi artisti svilupparono una concezione fondamentalmente nuova sia del compito dell'arte sia della composizione dell'immagine. Volevano trasmettere nei loro dipinti le loro sensazioni, percezioni e stati d'animo e cercavano per questo nuove forme di espressione artistica.

Tra le caratteristiche distintive dell'Espressionismo rientrano la riduzione dei soggetti dell'immagine a forme fondamentali e la rappresentazione in colori intensi. Al tempo stesso, la corrente stilistica inaugurò il definitivo addio alla funzione di raffigurazione della pittura e spianò così la strada all'Astrazione. Importanti rappresentanti dell'Espressionismo furono Franz Marc, August Macke, Karl Schmidt-Rottluff, Gabriele Münter, Wassily Kandinsky, Emil Nolde e Ernst Ludwig Kirchner. Le innovazioni rivoluzionarie dell'Espressionismo continuarono ad avere effetto ancora in molte epoche del XX secolo.

L'Espressionismo doveva rispecchiare lo stato d'animo

Il merito importante delle artiste e degli artisti dell'Espressionismo consistette nel fatto che elaborarono una filosofia fondamentalmente nuova della pittura. Secondo loro, essa non doveva più servire a catturare la realtà nel modo più oggettivo possibile e a riprodurla in modo naturalistico. Doveva invece rispecchiare le prospettive soggettive, le emozioni e le percezioni delle pittrici e dei pittori.

Le artiste e gli artisti fecero così dei dipinti i loro strumenti per esprimere stati d'animo come tristezza, gioia, dolore, paura o anche esperienze concrete nel modo più autentico e diretto possibile. In questo modo non copiavano più i soggetti dell'immagine, ma li trasformavano in veicoli per i loro sentimenti e le loro opinioni. Poiché con ciò la realtà non poteva più servire da criterio per una rappresentazione "corretta" dei soggetti dell'immagine nel senso della pittura tradizionale, anche nella tecnica pittorica era consentito tutto ciò che aiutava ad articolare lo stato d'animo individuale.

Nuove forme di composizione dell'immagine

Lo sviluppo nuovo di questo concetto artistico fu preceduto dal fatto che le successive Espressioniste e i successivi Espressionisti non si riconoscevano più nelle tradizioni e nelle regole accademiche della pittura dominanti all'inizio del XX secolo. In particolare nell'Impressionismo non vedevano il potenziale per esprimere le cose che erano importanti per loro. Esso appariva loro troppo superficiale, troppo poco improntato alla soggettività e non più al passo con i tempi.

Sebbene l'Impressionismo avesse già cambiato in modo significativo la pittura – alcune delle successive Espressioniste e dei successivi Espressionisti avevano persino iniziato con lavori impressionistici – alla nuova Avanguardia questo non bastava e indagò nuove forme di composizione dell'immagine.

Il clima sociale come motivo nell'Espressionismo

Oltre al bisogno di nuove tecniche dell'espressione artistica, anche le condizioni al di fuori dell'arte spinsero avanti la radicale reinvenzione della pittura. All'inizio del XX secolo tutta l'Europa era nel segno di cambiamenti strutturali nella società e nella politica. Nel corso del progresso tecnico, dell'industrializzazione e non da ultimo della Prima Guerra Mondiale, la situazione politica, economica e sociale si aggravò. La presunta idilliaca fine del XIX secolo lasciò ora il posto a un'atmosfera di preoccupazione per il futuro, anonimato urbano e conflitti sociali. Questo clima sociale aspro fu ripreso dagli artisti, che lo tematizzarono sia esplicitamente sia implicitamente nei loro dipinti.

L'Espressionismo e le sue caratteristiche

La pretesa riformulata nei confronti della pittura, di esprimere l'interiorità più profonda dell'essere umano, comportò anche cambiamenti fondamentali per la tecnica pittorica. Il modo in cui le artiste e gli artisti attuarono la nuova filosofia sulla tela differiva però in parte considerevolmente. A tutti loro era tuttavia comune il fatto di proseguire con coerenza una tendenza iniziata alla fine del XIX secolo soprattutto nell'Impressionismo: l'addio alla rappresentazione naturalistica dei motivi.

Nella scelta di colori e forme le artiste e gli artisti non si sentivano più vincolati alla realtà e potevano configurare i motivi così come li "sentivano". Una configurazione realistica e ricca di dettagli dei soggetti dell'immagine non svolgeva più alcun ruolo. Invece, le pittrici e i pittori riducevano spesso i motivi fino alle loro strutture di base, li straniavano in parte considerevolmente e arrivavano persino fino al margine dell'Astrazione.

In questo lavoravano con colori intensi, che applicavano in grandi superfici e spesso mettevano in netto contrasto tra loro. Anche la colorazione veniva assegnata dalle artiste e dagli artisti in modo completamente libero e dipingevano per esempio volti umani in blu o mucche in giallo. Questa combinazione di caratteristiche dell'Espressionismo produce un'impressione dell'immagine emotiva e dinamica, talvolta però anche estraniante fino a disturbante.

Sebbene le Espressioniste e gli Espressionisti si congedassero sempre di più da una rappresentazione realistica, rimasero fondamentalmente legati alla pittura figurativa. Motivi frequenti dell'Espressionismo erano per esempio scene metropolitane, raffigurazioni di animali, paesaggi, nudi, nature morte e ritratti. Scene storiche, personalità eminenti o temi biblici ovvero mitologici, invece, non svolgevano quasi alcun ruolo.

Dalla Rinascenza all'arte africana: I modelli dell'Espressionismo

Anche se le Espressioniste e gli Espressionisti percorsero vie molto progressive per quanto riguarda la teoria e la composizione, avevano senz'altro alcuni punti di riferimento e fonti di ispirazione in altre epoche ovvero presso altri artisti e artiste. Così già gli artisti dell'Impressionismo e – a partire dal passaggio di secolo – anche quelli del Simbolismo e del Fauvismo si erano distanziati dalla raffigurazione del mondo vicina alla realtà.

Tra i precursori dell'Espressionismo rientravano inoltre pittori come Paul Gauguin, Vincent Van Gogh o Edvard Munch, che interpretavano la realtà più di quanto la rappresentassero realisticamente. Le Espressioniste e gli Espressionisti trovarono modelli per i loro mezzi espressivi anche presso altre culture, per esempio dell'Africa o dell'area del Pacifico, che nelle loro maschere e sculture riducevano già fortemente le forme naturali degli oggetti. Per il suo linguaggio figurativo semplice, ma molto espressivo, le artiste e gli artisti dell'Espressionismo scoprirono inoltre per sé anche la xilografia, così come era stata introdotta per la prima volta da Albrecht Dürer o Lucas Cranach il Vecchio all'epoca della Rinascenza nelle belle arti.

L'Espressionismo in Germania

Tendenze dell'Espressionismo nella pittura vi furono all'inizio del XX secolo in diversi paesi d'Europa, per esempio in Austria, Francia e in particolare in Germania. Da Dresden e dall'area di München provenivano due gruppi di artisti che svolsero il lavoro pionieristico essenziale per l'Espressionismo e segnarono in modo duraturo questo stile: "Brücke" e "Der Blaue Reiter".

La comunità di artisti "Brücke"

Già nel 1905 gli studenti di architettura di Dresden Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff e Fritz Bleyl fondarono la loro comunità di artisti "Brücke", alla quale in seguito si aggiunsero altri artisti oggi celebri come Max Pechstein o Emil Nolde. La "Brücke" si sciolse nel 1913, ma i suoi artisti rimasero estremamente attivi anche negli anni successivi.

L'associazione di artisti "Der Blaue Reiter"

Come un'associazione stabile di artisti quale "Brücke", "Der Blaue Reiter" non era invece mai stata pensata. Piuttosto Franz Marc e Wassily Kandinsky si erano riuniti in una comunità redazionale per pubblicare scritti teorici e organizzare mostre. Avevano fissato i loro principi e le loro idee in un almanacco dal titolo "Der blaue Reiter". Sotto questo titolo Marc e Kandinsky organizzarono anche due grandi mostre, nelle quali, accanto alle loro opere, furono mostrate tra l'altro quelle di Alexej von Jawlensky, Marianne von Werefkin, August Macke, Robert Delaunay e Gabriele Münter. Nel 1914, però, Marc e Kandinsky terminarono già di nuovo la loro collaborazione.

Ancora oggi l'Espressionismo è molto presente nel mondo dell'arte

Con le sue innovazioni rivoluzionarie l'Espressionismo influenzò in modo determinante sia l'arte degli anni Venti sia quella dell'intero XX e XXI secolo. Con molti stili all'inizio del XX secolo come Futurismo, Cubismo e Dadaismo vi fu uno scambio molto produttivo, ma l'Espressionismo spianò la strada anche a molte epoche dei decenni successivi. La sua influenza si può riconoscere tra l'altro presso artiste e artisti di Surrealismo, Espressionismo Astratto, Nuova Oggettività, Informale, Neoespressionismo e Nuovi Selvaggi.

L'Espressionismo era iniziato come movimento avanguardistico e nei suoi primi giorni era ancora visto criticamente da molti contemporanei. Oggi invece le sue opere sono riconosciute come un contributo significativo all'arte della Modernità e allo sviluppo della pittura nel suo complesso.

Oggi: La pittura espressionista raggiunge prezzi record

Le mostre su "Brücke" e "Der blaue Reiter" si rivelano regolarmente attrazioni per il pubblico e le opere delle loro artiste e dei loro artisti più importanti vengono scambiate a prezzi record. Anche come riproduzioni, motivi celebri dell'Espressionismo come "Cavallo blu I" di Franz Marc o "Giallo Rosso Blu" di Wassily Kandinsky sono molto amati.

In molte importanti collezioni del mondo si trovano opere di questo stile, per esempio nel Museum of Modern Art in New York, nella Tate Modern a London e nel Musée d'Orsay a Paris. Inoltre diversi musei si dedicano all'epoca dell'Espressionismo ovvero ai suoi protagonisti, per esempio il "Kirchner Museum" a Davos, il "Brücke-Museum" a Berlin, il "Münter-Haus" a Murnau o il "Franz Marc Museum" a Kochel am See.