Epoche della pittura

Rinascimento, Impressionismo, immagini astratte o Pop Art – queste e molte altre importanti epoche della pittura hanno plasmato in modo determinante la storia dell'arte. Negli ultimi circa 1500 anni ha potuto svilupparsi nella pittura una varietà affascinante di stili – e fino a oggi i motivi, le tecniche e i concetti artistici sono soggetti a un cambiamento continuo. Di seguito vi presentiamo brevemente una panoramica cronologica delle epoche più importanti della pittura dal Medioevo al presente. Al centro vi sono le caratteristiche essenziali delle epoche nonché esempi tipici di opere.

Medioevo

L'epoca stilistica della pittura del Medioevo si estese circa dal V al XV secolo. In questa fase si svilupparono diverse correnti stilistiche nell'arte, come per esempio il Romanico o il Gotico. Nel Medioevo la pittura era ancora interamente nel segno del clero e della dottrina cristiana. La Chiesa cattolica si era affermata in molti paesi d'Europa. Dotò le sue chiese e i suoi monasteri di numerosi dipinti, affreschi e sculture ed era quindi la più importante committente di opere d'arte.

• Funzione importante: nel Medioevo la pittura aveva un compito importante. Poiché a quel tempo solo poche persone sapevano leggere, per la Chiesa cattolica i dipinti rappresentavano un mezzo di comunicazione centrale. Il clero utilizzava le immagini per diffondere la religione cristiana e i suoi valori e per rafforzare i cattolici nella loro fede.
• Motivi religiosi: come committente influente, anche la Chiesa cattolica stabiliva spesso i motivi. I dipinti mostravano in larga misura temi tratti dalla Bibbia. Ne facevano parte per esempio scene della vita di Cristo, immagini mariane o rappresentazioni della Pietà.
• Modo di dipingere stilizzato: nel Medioevo il modo di rappresentare i soggetti figurativi non era ancora molto realistico. Per lo più le figure venivano dipinte in modo molto semplificato e stereotipato. Inoltre spesso mancavano loro caratteristiche individuali.

Esempio di opera: "Annunciazione a Maria" di Konrad Witz

Il pittore tedesco-svizzero Konrad Witz creò intorno al 1440 il suo dipinto "Annunciazione a Maria". In quest'opera mostra come Maria, in una stanza semplice, venga a sapere da un angelo della sua gravidanza. Konrad Witz faceva però già parte degli avanguardisti tra i pittori medievali. Si impegnò per una rappresentazione dei soggetti figurativi il più possibile vicina alla realtà. Inoltre cercò di portare profondità spaziale nei suoi dipinti.

Epoche artistiche della pittura: Rinascimento

L'epoca del Rinascimento ebbe inizio circa a cavallo tra il XIV e il XV secolo e durò circa 200 anni. La caratteristica centrale dei dipinti del Rinascimento era il ritorno all'estetica e allo stile dell'antichità romana e greca. La pittura in questa epoca si distingueva dal Medioevo soprattutto per i temi figurativi e i modi di rappresentazione.

• Motivi profani e religiosi: se nel Medioevo erano ancora prevalentemente al centro temi e personaggi biblici e religiosi, ora entrarono nella pittura anche motivi profani. Sempre più spesso i pittori ritraevano persone semplici, ma nacquero anche le prime immagini di animali.
• Ritorno alla realtà: la caratteristica più importante della pittura Rinascimentale era la sua aspirazione a rappresentare i soggetti figurativi nel modo più fedele possibile alla natura. Le artiste e gli artisti si concentrarono sulla corretta resa delle proporzioni dell'uomo e della natura. A ciò contribuì anche l'introduzione della prospettiva centrale. Con questa forma di composizione dell'immagine, gli artisti riuscirono a simulare nei loro dipinti la profondità spaziale.
• Pittura a olio: nell'epoca del Rinascimento la pittura a olio divenne sempre più popolare. I colori a olio aprirono ai pittori molte nuove possibilità. Erano più intensi e luminosi e consentivano sfumature cromatiche più fini. Inoltre i colori a olio permettevano la tecnica dello "Sfumato". In questo modo di dipingere, le artiste e gli artisti non lavoravano con contrasti netti, ma lasciavano sfumare leggermente i contorni attraverso un sapiente effetto morbido.

Esempio di opera: "Mona Lisa" di Leonardo da Vinci

Nel Rinascimento nacquero molte opere significative della storia dell'arte, per esempio la "Nascita di Venere" di Sandro Botticelli, la "Lepre di campo" di Albrecht Dürer o gli affreschi della Cappella Sistina di Michelangelo. L'opera più famosa del Rinascimento, però, dovrebbe essere la "Mona Lisa" di Leonardo da Vinci. Da Vinci dipinse i tratti del volto della Mona Lisa e il paesaggio sullo sfondo dell'immagine in modo sorprendentemente realistico. Inoltre il dipinto è considerato un esempio modello della tecnica dello Sfumato.

Barocco

Il Barocco seguì direttamente il Rinascimento e durò circa dall'inizio del XVI secolo fino alla metà del XVIII secolo. Questa epoca è diventata il simbolo di un'arte sfarzosa. Dalla fase del Barocco provengono numerosi artisti famosi, per esempio Michelangelo da Caravaggio, Jan Vermeer, Rembrandt van Rijn o Peter Paul Rubens. La pittura del Barocco aveva molte somiglianze con quella del Rinascimento. Si sviluppò però ulteriormente soprattutto per quanto riguarda i temi figurativi e le tecniche pittoriche.

• Varietà di motivi: tra le epoche della pittura, il Barocco fu la prima in cui gli artisti affrontarono nelle loro opere molti temi figurativi diversi. Scene tratte dalla religione e dalla mitologia restavano molto amate. Ma anche motivi puramente profani come quadri di genere, paesaggi, animali, nature morte e ritratti si diffusero sempre di più.
• Rappresentazione vicina alla realtà: lo stile pittorico del Barocco era ancora riconoscibilmente ispirato al Rinascimento. Pittrici e pittori cercavano di rappresentare i loro mondi figurativi nel modo più realistico possibile. Iniziarono a far apparire plastici i soggetti figurativi e a suscitare l'illusione della profondità spaziale. Inoltre si impegnarono per una rappresentazione particolarmente drammatica ed emotiva delle loro scene figurative.
• Gestione della luce come elemento compositivo: una tecnica molto diffusa per caricare atmosfericamente le scene figurative era il gioco di luce e ombra ("Chiaroscuro"). Spot di luce collocati in modo mirato o un'illuminazione calante creavano dinamica e definivano l'atmosfera.

Esempio di opera: "La ronda di notte" di Rembrandt van Rijn

Uno dei dipinti più famosi del Barocco è "La ronda di notte" di Rembrandt van Rijn. L'immagine mostra l'assemblea di una gilda degli archibugieri di Amsterdam. Senza dubbio il pittore olandese mise in scena questa scena più di quanto la rappresentasse realisticamente. Con una gestione della luce molto speciale e forti contrasti chiaro-scuro, creò un'atmosfera quasi teatrale.

Romanticismo

Con Romanticismo si indica la fase tra la fine del XVIII e la metà del XIX secolo. In questo periodo le scienze umane, l'arte e la letteratura si distaccarono dal Classicismo molto improntato alla razionalità, che precedette direttamente il Romanticismo. Nella filosofia del Romanticismo al centro vi era l'individuo con i suoi sentimenti e il suo mondo di pensieri. Anche un legame spirituale con la natura e la presenza del divino tornarono ad avere un ruolo. Molti di questi aspetti furono ripresi anche dai pittori del Romanticismo.

• Uomo e natura come motivi: come nelle epoche della pittura precedenti, anche nel Romanticismo l'essere umano acquisì ulteriore importanza come motivo. Gli artisti tematizzarono, a volte concretamente, a volte simbolicamente, i pensieri e le emozioni dell'individuo. Il secondo grande gruppo di motivi della pittura del Romanticismo era la natura. I pittori mostravano i paesaggi in tutta la loro bellezza. Tuttavia tendevano anche a glorificare la natura e a rappresentarla in modo più idilliaco di quanto fosse realmente.
• Emozioni come messaggio: nel Romanticismo la pittura divenne lo specchio dell'anima umana. I motivi, in particolare i paesaggi, non stavano solo per se stessi, ma simboleggiavano emozioni individuali come malinconia, gioia, paura o nostalgia. I pittori puntavano spesso su mondi figurativi molto drammatici o mistici.
• Connotazioni spirituali: nei dipinti del Romanticismo i motivi non dovevano essere riprodotti solo nel modo più estetico possibile. Nelle scene si celavano sempre anche allusioni a trascendenza, spiritualità e religione. In particolare nelle epiche rappresentazioni paesaggistiche si articolava l'idea dell'esistenza di esseri superiori o mondi paralleli.

Esempio di opera: "Il viandante sul mare di nebbia" di Caspar David Friedrich

Il capolavoro di Caspar David Friedrich dell'anno 1818 è un esempio particolarmente buono dell'arte del Romanticismo. Mostra un uomo su una roccia, che guarda un mare di nuvole agitato. In questo dipinto Friedrich creò un paesaggio estremamente atmosferico, nel quale però anche l'uomo svolge un ruolo significativo. La scena può essere interpretata in vari modi, per esempio come simbolo della solitudine, di uno sguardo malinconico al passato, di uno sguardo (metaforico) nell'abisso o del raggiungimento di un obiettivo.

Epoche della pittura: Realismo

Il Realismo entrò nella pittura dalla metà del XIX secolo. Questo stile pittorico fu una reazione alle epoche pittoriche precedenti. Queste si erano occupate poco delle reali condizioni di vita delle persone e avevano spesso rappresentato il mondo in modo trasfigurato e idealizzato. Il Realismo, invece, mirava a una resa autentica delle condizioni di vita a metà del XIX secolo.

• Motivi dalla quotidianità: rispetto ad altre epoche stilistiche della pittura, il Realismo si distingueva soprattutto per i suoi particolari temi figurativi. Gli artisti tematizzavano prevalentemente le condizioni di vita della popolazione semplice. Spesso mostravano nei loro dipinti situazioni quotidiane di operai, contadini e borghesia. Accanto alla vita sociale, anche i paesaggi rientravano tra i motivi. Questi dipinti mostravano per lo più regioni locali e poco spettacolari.
• Nessun abbellimento della realtà: le immagini del Realismo dovevano trasmettere un'impressione autentica. Perciò i pittori rinunciavano a qualsiasi forma di idealizzazione, trasfigurazione o drammatizzazione. Piuttosto, le artiste e gli artisti si calavano nel ruolo di osservatori neutrali. Grazie al loro carattere quasi documentario, la pittura del Realismo assunse anche un sottotono politico e socialmente critico.
• Rappresentazione fedele alla natura: l'aspirazione del Realismo si rispecchiava anche nel modo di dipingere. Pittrici e pittori puntavano a una rappresentazione dei soggetti figurativi il più possibile vicina alla realtà e dettagliata. Non utilizzavano tonalità sgargianti né impiegavano altri effetti esagerati. Piuttosto lavoravano spesso con colori smorzati e rispettavano le proporzioni naturali dei soggetti figurativi.

Esempio di opera: "Gli spaccapietre" di Gustave Courbet

Il pittore francese Gustave Courbet (1819 – 1877) fu un rappresentante principale del Realismo. Nel suo dipinto "Gli spaccapietre" del 1849 Courbet rese protagonisti due uomini che lavorano duramente. Sembra che Courbet abbia osservato di nascosto i due operai. La scena appare molto autentica e credibile grazie al modo di dipingere realistico.

Impressionismo

L'Impressionismo si sviluppò nella seconda metà del XIX secolo. Questa epoca portò innovazioni significative nella pittura. Le Impressioniste e gli Impressionisti non volevano riprodurre realisticamente il mondo, ma catturare nelle loro opere l'atmosfera del momento. Per farlo percorsero strade completamente nuove sia nella tecnica pittorica sia nella composizione dell'immagine. Tra i rappresentanti più noti dell'Impressionismo figurano Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Édouard Manet e Camille Pissarro.

• Atmosfera invece di perfezione: nelle epoche pittoriche precedenti valeva ancora la massima secondo cui i dipinti dovevano raffigurare il mondo nel modo più preciso possibile. L'Impressionismo ruppe per la prima volta con questa regola. I suoi pittori si erano posti l'obiettivo di portare sulla tela la loro percezione individuale di un momento. Un ruolo particolare spettava alla rappresentazione delle condizioni di luce. Gli artisti riuscirono a restituire il colore e l'intensità della luce, che cambiavano a seconda dell'ora del giorno e della stagione.
• Un modo di dipingere rivoluzionario: le Impressioniste e gli Impressionisti cambiarono anche il loro modo di dipingere. Per restituire l'impressione soggettiva, riducevano i dettagli dei soggetti figurativi, lasciavano sfumare i contorni o dipingevano soltanto silhouette. Anche la tavolozza cromatica veniva adattata dai pittori alla rispettiva situazione luminosa. Spesso utilizzavano tonalità pastello chiare, con le quali potevano restituire fini sfumature cromatiche.
• Nuove tecniche: le artiste e gli artisti cambiarono inoltre l'intero processo pittorico. Non elaboravano più i dettagli dell'immagine con linee finissime, ma applicavano il colore con punti e pennellate più larghe. Inoltre utilizzavano più colore a olio del consueto, così che la pennellata diventava chiaramente riconoscibile. Molti pittori dell'Impressionismo sistemavano inoltre i loro cavalletti all'aperto, per poter trasferire sulla tela le loro impressioni nel modo più rapido e genuino possibile ("pittura En plein air").

Esempio di opera: "Impressione, levar del sole" di Claude Monet

Nessun dipinto rappresenta l'Impressionismo così bene come "Impressione, levar del sole" di Claude Monet (1840 – 1926). L'immagine del 1872 mostra il porto di Le Havre al mattino. Monet lavorò qui già con i mezzi stilistici caratteristici dell'Impressionismo. Nella luce diffusa del sole ancora debole si riconoscono solo le silhouette degli impianti portuali e delle navi. "Impressione, levar del sole" fu mostrato alla prima mostra delle Impressioniste e degli Impressionisti nel 1874 e diede il nome all'intera epoca.

Modernità

L'epoca artistica della Modernità si estese dalla fine del XIX secolo fino alla metà del XX secolo. Questa fase si distinse per una varietà stilistica mai vista prima. In questo periodo si svilupparono numerose forme espressive progressive, che in parte ruppero radicalmente con le convenzioni tramandate dell'arte. Nacquero diversi stili pionieristici come Cubismo, Espressionismo o Surrealismo. Tra i grandi nomi di questo periodo rientrano, tra gli altri, Pablo Picasso, Franz Marc, Paul Klee, Henri Matisse, Marc Chagall, René Magritte e Wassily Kandinsky.

• Concezione artistica progressiva: molti stili nella Modernità misero in discussione le tradizioni di tutte le epoche precedenti della pittura. Le loro artiste e i loro artisti ridefinirono in modo fondamentale il compito e la funzione della pittura. Non aspiravano più a raffigurare perfettamente il mondo. Piuttosto presentavano nelle loro opere le proprie prospettive soggettive e articolavano emozioni e pensieri. Inoltre iniziarono a sperimentare con nuovi modi di rappresentazione e a sondare le possibilità della pittura.
• Composizione innovativa dell'immagine: le artiste e gli artisti della Modernità non si consideravano più vincolati alle regole tradizionali della pittura. Particolarmente evidente era la tendenza a una rappresentazione stilizzata. Molte pittrici e molti pittori riducevano i dettagli dei soggetti figurativi e lavoravano con superfici cromatiche più ampie. Spesso scioglievano anche l'attribuzione fedele alla natura dei colori agli oggetti. Invece assegnavano la tavolozza cromatica in modo nuovo, come per esempio Franz Marc in "La mucca gialla" (1911). Anche le forme degli oggetti e la prospettiva dell'immagine venivano interpretate molto liberamente.
• Apripista dell'Astrazione: la pittura della Modernità si distingueva da tutte le precedenti epoche stilistiche della pittura per un progressivo allontanamento dalla rappresentazione figurativa. In questo modo in quel periodo fu posta anche la base per l'Astrazione. Molte artiste e molti artisti iniziarono a utilizzare nelle loro opere esclusivamente forme, strutture e oggetti liberi senza alcun riferimento a oggetti esistenti. Tra i pionieri dell'Astrazione figuravano, tra gli altri, Wassily Kandinsky, Sophie Taeuber-Arp ed El Lissitzky. Più tardi seguirono altri importanti rappresentanti come Jackson Pollock, Mark Rothko, Victor Vasarely e Antoni Tàpies.

Esempi di opere: "Guernica", "Cavallo blu 1" e "Composizione"

La grande varietà di stili si rispecchia in numerosi dipinti significativi nati nella Modernità. Una delle opere più importanti di questa fase è "Composizione con rosso, giallo, blu e nero" di Piet Mondrian dell'anno 1921. Con il suo linguaggio figurativo fatto di superfici e linee, Mondrian divenne un apripista dell'Astrazione. L'Espressionista tedesco Franz Marc dipinse nel 1911 il dipinto "Cavallo blu 1". Da allora fu simbolo dell'influente associazione di artisti "Der blaue Reiter". Nel 1937 Pablo Picasso creò con "Guernica" una delle opere più note del XX secolo. Il dipinto monumentale sarebbe diventato un'icona del movimento pacifista e dell'arte politica.

Epoca stilistica della pittura contemporanea

Di norma si definisce contemporanea l'arte dalla seconda metà del XX secolo fino a oggi. Il termine non indica una determinata epoca stilistica, ma soltanto il periodo degli ultimi circa 80 anni. Caratteristico di questa fase è il pluralismo di stili e tecniche. Numerose artiste e numerosi artisti dell'arte contemporanea hanno potuto registrare successi significativi, per esempio Andy Warhol, Gerhard Richter, Damien Hirst, Roy Lichtenstein, Alex Katz o Banksy.

• Tradizione e innovazione: la varietà degli stili, che si era già delineata nella Modernità, continuò nella pittura del presente. Molte epoche della prima metà del XX secolo come Espressionismo, Surrealismo e Astrazione sono ancora oggi attuali. Nella seconda metà del XX secolo si aggiunsero altri stili come Pop Art, Espressionismo Astratto o Urban Art.
• Tecniche moderne: il progresso tecnico non si ferma neppure davanti alla pittura. Nel lavoro di molte pittrici e molti pittori entrano la grafica computerizzata, l'elaborazione digitale delle immagini e l'Intelligenza Artificiale. Queste nuove tecniche oggi sono poste sullo stesso piano della pittura classica con colori a olio, acquerello o acrilico.
• Mix di stili: dalla metà del XX secolo si può inoltre osservare che artiste e artisti spesso non si sentono vincolati a una sola epoca o tecnica specifica. Piuttosto lavorano spesso con diversi stili e tecniche contemporaneamente o li combinano in una nuova forma di espressione artistica. Così, per esempio, nell'opera di Gerhard Richter si trovano sia lavori astratti sia figurativi, nonché tecniche miste come fotografie ridipinte.

Esempio di opera: "Marilyn" di Andy Warhol

La Pop Art portò dagli anni Sessanta ancora una volta una ventata d'aria fresca nella pittura – sia in relazione al concetto artistico sia al linguaggio figurativo. Le artiste e gli artisti della Pop Art elevarono oggetti quotidiani e contenuti mediatici a motivi, lavorarono con un linguaggio figurativo fortemente stilizzato e freddo e stabilirono nuove tecniche nell'arte come la serigrafia. L'artista americano Andy Warhol rappresenta questa epoca come nessun altro. Tra i suoi lavori più famosi figurano i suoi ritratti di Marilyn Monroe. Con diverse opere in una tecnica mista di colore acrilico, serigrafia e inchiostro rese omaggio alla vita della diva cinematografica famosa in tutto il mondo.

Opere selezionate sulle epoche