Pittura paesaggistica romantica

Nell'arte del Romanticismo i paesaggi appartenevano ai motivi più importanti della pittura. Nell'intera filosofia di questa epoca, che si estese circa dalla fine del XVIII fino alla metà del XIX secolo, la natura ebbe un ruolo importante. Veniva considerata un luogo di ispirazione e quiete, ma anche un rifugio dalla realtà.

Questo legame con la natura si ritrovava anche nella pittura paesaggistica romantica. Le sue artiste e i suoi artisti rivolgevano tutta la loro attenzione a motivi tratti dalla natura e dall'architettura. Concepiscono i paesaggi come motivi completamente autonomi, nei quali gli esseri umani – se presenti – svolgevano un ruolo subordinato.

Tuttavia gli artisti non volevano mostrare nelle loro opere soltanto la bellezza della natura. Nelle scene che dipingevano esprimevano spesso anche le proprie emozioni, nonché temi mistici o spirituali. Ma perché furono proprio i paesaggi a diventare i contenuti figurativi preferiti di questa epoca? A questa domanda si cercherà di rispondere di seguito sulla base di caratteristiche, motivi e opere chiave del Romanticismo.

La pittura paesaggistica romantica e le sue caratteristiche più importanti

Il Romanticismo può essere definito solo in modo limitato come uno stile autonomo in senso storico-artistico. La pittura di questo periodo sviluppò poche innovazioni proprie nel modo di dipingere e nella composizione dell'immagine, come si trovano in altre epoche, per esempio nell'Impressionismo o nell'Espressionismo. Di conseguenza si possono nominare solo poche caratteristiche stilistiche tipiche della pittura del Romanticismo. Le affinità nelle opere di questo periodo consistono piuttosto nell'orientamento contenutistico e nei principi fondamentali della visione del mondo. Molte pittrici e molti pittori del Romanticismo si lasciarono ispirare, nella composizione dell'immagine, dallo spirito del tempo e dalla filosofia dell'intera epoca.

L'influenza delle idee del Romanticismo si può osservare in quattro diverse caratteristiche della pittura paesaggistica:

1. La natura come patria dell'anima

Nell'intera epoca del Romanticismo alla natura spettò un ruolo particolare. Gli artisti erano affascinati dalla sua sublimità e bellezza e la consideravano uno specchio dell'anima. Nella natura trovavano quiete, ma la ritenevano anche un luogo del sovrasensibile e della spiritualità. Anche le pittrici e i pittori del Romanticismo scoprirono il potenziale dei paesaggi come tema figurativo. Non volevano raffigurare semplicemente in modo realistico boschi, campi, montagne, mare e laghi. Piuttosto riconobbero la grande forza simbolica che poteva essere racchiusa nei dipinti di paesaggio.

2. La pittura paesaggistica come voce dell'individuo

Una caratteristica centrale del Romanticismo era il forte riferimento al proprio io. La concentrazione sulla percezione soggettiva si rispecchiò anche nelle rappresentazioni della natura. Natura e paesaggi nella pittura del Romanticismo non stavano solo per se stessi, ma possedevano una grande forza simbolica.

Nei dipinti di paesaggio le artiste e gli artisti potevano esprimere la loro vita interiore e l'intero loro mondo emotivo. Facevano confluire nelle loro opere emozioni come amore, paura e nostalgia fino a passione e malinconia. Ma potevano articolare nelle rappresentazioni della natura anche la loro grande fascinazione per il mondo del mistico, dei sogni, del sovrasensibile e della spiritualità. In questo gli artisti si allontanavano sempre più dalla raffigurazione fedele alla natura della natura. Sceglievano forme di rappresentazione che, a loro avviso, servivano a trasmettere nel modo più intenso possibile i loro sentimenti e pensieri.

3. Sentimenti e simbolismo come principi per la pittura

Per rendere percepibili nelle loro opere i temi del Romanticismo, le artiste e gli artisti impiegarono diversi mezzi figurativi. Scoprirono in particolare le condizioni di luce come possibilità di esprimere stati d'animo. Così collocavano i loro motivi nella luce di diverse ore del giorno e stagioni o di differenti condizioni meteorologiche. Potevano realizzarlo in modo particolarmente impressionante in immagini di tramonti, albe e notti di luna piena o di impressioni autunnali o invernali.

Spesso chi dipingeva nel Romanticismo mirava direttamente, con la propria composizione dell'immagine, alle emozioni di chi osservava. Per esempio voleva suscitare con ampi panorami l'impressione di nostalgia o solitudine. Scene scure e nebbiose, invece, dovevano apparire mistiche o misteriose e far rabbrividire il pubblico. Con forti contrasti chiaro-scuro gli artisti cercavano inoltre di far apparire drammatiche le loro scene figurative.

Anche l'uso di colori particolarmente intensi e contrastanti contribuiva a questo effetto. Anche se gli artisti del Romanticismo attribuivano maggiore importanza alla luce e all'atmosfera nelle loro opere, continuavano a dare valore a un modo di dipingere realistico degli oggetti figurativi. In parte si dedicavano con meticolosità ai dettagli dei soggetti figurativi, affinché quasi non si potesse più riconoscere una differenza tra i dipinti e la realtà.

4. L'essere umano come staffage

La concentrazione sul proprio stato d'animo nella pittura però non portò – come forse ci si sarebbe potuti aspettare – al fatto che nelle opere si vedessero molte persone. Piuttosto, nelle rappresentazioni paesaggistiche del Romanticismo, il focus era completamente sulla natura. L'essere umano, che per molti millenni era stato al centro della pittura, perse importanza. La pittura paesaggistica romantica rinunciava del tutto alle persone oppure si accontentava di rappresentare poche persone relativamente piccole o ai margini e di inserirle nelle scene paesaggistiche.

La pittura paesaggistica romantica e i suoi motivi

I paesaggi appartenevano, insieme alle scene di genere e ai ritratti, ai temi figurativi più importanti del Romanticismo. Ma a metà del XVIII secolo la pittura paesaggistica era ancora un genere relativamente giovane. Per molti millenni natura e paesaggi nella pittura avevano svolto solo un ruolo subordinato. Al centro vi erano in primo luogo le persone e le loro azioni. Le rappresentazioni paesaggistiche servivano soltanto come quinta o sfondo. Solo dopo il Medioevo si affermò la rappresentazione della natura come motivo autonomo.

Nel Romanticismo la pittura paesaggistica poté svilupparsi ancora una volta in modo significativo e acquisì molte nuove sfaccettature. Nella filosofia delle Romantiche e dei Romantici la natura svolgeva un ruolo importante. La pittura paesaggistica romantica poté dare espressione a questa fascinazione e venerazione della natura. Le artiste e gli artisti non volevano semplicemente raffigurare i paesaggi nei loro dipinti. Li vedevano piuttosto come superfici di riflessione per i loro pensieri e le loro emozioni.

Per i loro dipinti gli artisti si lasciavano spesso ispirare da diverse regioni d'Europa, ma dipingevano anche dipinti di paesaggio completamente inventati. Così il pittore inglese William Turner si orientava spesso a paesaggi reali e creò immagini di Venezia, Calais o Costanza.

Anche la pittura paesaggistica di Caspar David Friedrich si basava su motivi che aveva raccolto nei viaggi attraverso la Germania. Le sue impressioni le riorganizzava però più tardi, spesso in modo completamente nuovo, nello studio e faceva nascere così paesaggi fittizi. Indipendentemente dal fatto che le scene figurative fossero reali o immaginarie, i dipinti di paesaggio romantici mostrano per lo più momenti idilliaci nella natura.

Tra i motivi amati della pittura paesaggistica romantica figuravano soprattutto:

• Boschi, alberi e radure, ruscelli e laghi nonché immagini di montagne e formazioni rocciose.
• Singoli edifici come rocche, castelli o chiese.
• Anche altri dipinti di architettura nonché città e villaggi.
• Marine con porti, immagini in alto mare o della spiaggia
• Fenomeni meteorologici come tempeste o bufere di neve
• Gli esseri umani o gli animali, invece, comparivano per lo più affatto o solo ai margini.

Indipendentemente dai motivi, nella pittura paesaggistica romantica le artiste e gli artisti sceglievano spesso la rappresentazione in un ampio panorama. Così potevano concedere molto spazio al cielo e all'orizzonte con sole, luna e formazioni nuvolose. Qui facevano nascere anche le atmosfere luminose tipiche della pittura paesaggistica romantica.

Esempio di opera 1: William Turner – "L'ultima traversata della Temeraire"

Il dipinto di William Turner "L'ultima traversata della Temeraire" rientra tra i vertici della pittura paesaggistica romantica. Turner (1775–1851) fu uno dei più importanti pittori del Romanticismo inglese. Padroneggiava come quasi nessun altro del suo tempo la creazione di motivi ricchi di atmosfera e drammatici, senza cadere nel pathos.

Fu uno dei primi artisti a rendere l'illuminazione delle scene un soggetto autonomo. Con ciò svolse un importante lavoro pionieristico per l'intera pittura paesaggistica. Il suo dipinto "L'ultima traversata della Temeraire" dell'anno 1839 è esemplare del suo linguaggio figurativo visionario.

La marina ha uno sfondo storico reale. Mostra la cannoniera britannica "Temeraire" mentre viene trainata per essere demolita. Il veliero aveva svolto un ruolo importante nella battaglia di Trafalgar. Turner qui rinunciò tuttavia a ogni forma di eroizzazione. Piuttosto fece di questo motivo un simbolo di congedo e caducità. La nave un tempo gloriosa non è più in grado di navigare da sola e deve essere trainata da un piroscafo a ruote.

Turner sottolineò questo momento memorabile attraverso un'atmosfera luminosa molto emotiva. Il sole riesce a malapena a imporsi contro i veli di nuvole nel cielo, così che l'intera scena è immersa in una luce torbida e malinconica.

Esempio di opera 2: Caspar David Friedrich – "Due uomini in contemplazione della luna"

"Due uomini in contemplazione della luna" di Caspar David Friedrich (1774–1840) è uno dei migliori esempi di pittura paesaggistica romantica. Il pittore tedesco aveva sviluppato un'interpretazione molto individuale di questo genere.

Attraverso i suoi dipinti esprimeva diverse emozioni come nostalgia, passione e malinconia, ma anche mistica e contenuti politici. "Due uomini in contemplazione della luna" riunisce diverse caratteristiche tipiche della pittura del Romanticismo. Anche se il titolo rimanda alle due persone, esse non sono il tema dell'immagine. Al centro vi sono piuttosto il paesaggio e l'atmosfera misteriosa del momento.

La scena notturna è piena di profondo simbolismo:

• Così la luna nel Romanticismo è considerata simbolo della nostalgia.
• Il grande albero, invece, che appare morto e porta a malapena foglie, può essere interpretato come simbolo della morte.
• Anche la cromia e l'atmosfera luminosa contribuiscono a un'atmosfera misteriosa.

È anche tipico della pittura paesaggistica romantica il fatto che Friedrich mostri gli uomini solo di spalle. Così restano anonimi e non distolgono l'attenzione dal paesaggio come motivo principale.

La pittura paesaggistica romantica non ha perso nulla del suo fascino fino a oggi

Anche circa 200 anni dopo il suo periodo di fioritura, la pittura paesaggistica romantica riesce ancora ad attirare il pubblico sotto il suo incantesimo con la sua estetica, la sua atmosfera e i suoi motivi. Mostre con opere di pittori come William Turner, Caspar David Friedrich, John Constable, Carl Spitzweg o Eugène Delacroix riscuotono grande successo anche oggi.

Ma anche pittrici e pittori contemporanei si riallacciano a questo genere ricco di tradizione. Un motivo della persistente popolarità della pittura paesaggistica del Romanticismo potrebbe essere che questa forma di pittura, con i suoi temi senza tempo, è molto vicina alle persone allora come oggi. Nella pittura di questa epoca anima, spirito ed emozioni degli esseri umani trovano la loro corrispondenza. L'intero mondo emotivo, dall'amore e dalla gioia fino alla malinconia e al lutto, viene rispecchiato dall'arte del Romanticismo. Così le persone possono ritrovarsi in queste opere in tutte le fasi storiche.

Forse contribuisce al persistente interesse per la pittura del Romanticismo anche il fatto che la natura come suo tema centrale stia nuovamente acquistando importanza. Ancora oggi la natura viene considerata simbolo di pace e quiete. Di fronte a un mondo che si sviluppa sempre più rapidamente, crisi persistenti e una pressione continua verso l'(auto)ottimizzazione, in molte persone si impongono con maggiore forza domande esistenziali. In questo contesto la natura quieta e originaria appare come un gradito luogo di ritiro.

Forse, però, dipende anche semplicemente dalla perfezione artigianale degli artisti del Romanticismo. La pittura paesaggistica romantica unisce un'atmosfera intensa a dettagli figurativi fedeli alla realtà e si avvicina così molto alla realtà. Non da ultimo per questo, le imponenti impressioni della natura di un William Turner o Caspar David Friedrich riescono ancora oggi ad attirare il pubblico in modo quasi magico.

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