Famosi artisti della Pop Art: Lichtenstein, Warhol, Haring

Arte dalla quotidianità – per la quotidianità: la Pop Art rientra tra le epoche più importanti del XX secolo. I suoi artisti e le sue artiste scossero diversi fondamenti delle belle arti. Questo iniziò già dai motivi: molti artisti e artiste della Pop Art si lasciarono ispirare, per le loro opere, da beni di consumo e dalla cultura di massa. Inoltre introdussero nuove tecniche e attribuirono importanza al fatto che la loro arte fosse accessibile economicamente o addirittura liberamente accessibile al pubblico.

Nonostante molte somiglianze, non si può rispondere in modo generale alla domanda "Che cos'è la Pop Art?". Gli artisti, le tecniche e le opere di questa fase erano infatti troppo variegati. Ma uno sguardo a tre famosi artisti della Pop Art – Roy Lichtenstein, Andy Warhol e Keith Haring – chiarisce in modo esemplare sia le caratteristiche essenziali sia le diverse varianti della Pop Art. Questi tre artisti plasmarono in modo determinante questa epoca e ancora oggi sono considerati i suoi rappresentanti più importanti.

Roy Lichtenstein – con i punti retinati verso la fama

Roy Lichtenstein (1923–1997) rientra tra le figure chiave della Pop Art americana. Nelle sue opere gettò un ponte tra cultura quotidiana e alta cultura. Piccoli frammenti, apparentemente insignificanti, provenienti dai media e dalla cultura pop vennero da lui messi in scena come capolavori della storia dell'arte, in grandi formati e dipinti a olio. Il suo marchio distintivo inconfondibile erano i punti retinati neri, con i quali riempiva le superfici dei suoi quadri.

Come molti altri pionieri dell'arte, Lichtenstein incontrò inizialmente il rifiuto di molti suoi contemporanei. Oggi, però, il suo contributo allo sviluppo delle belle arti è indiscusso e le sue opere sono presenti in tutte le principali sedi espositive e collezioni del mondo.

All'inizio c'erano Mickey Mouse e Donald Duck

Roy Lichtenstein ebbe fin dalla giovinezza una passione per le belle arti. Possedeva un grande talento, ma una carriera come artista autonomo si fece inizialmente attendere.

Dopo tappe in diverse accademie d'arte, all'inizio lavorò come docente d'arte nonché come disegnatore tecnico e designer. Parallelamente, però, proseguì il lavoro sulle proprie opere d'arte. Nel 1950 ebbe una prima mostra, che tuttavia rimase senza un successo degno di nota. Questo sarebbe cambiato all'inizio degli anni Sessanta.

Già nel 1962 ebbe la sua prima mostra personale nella galleria di Leo Castelli, che divenne un grande successo. Lichtenstein partecipò anche alla mostra "The New Realists" alla Sidney Janis Gallery di New York. In questa manifestazione furono mostrate per la prima volta in un contesto più ampio opere di molti artisti della Pop Art, come per esempio Claes Oldenburg e Andy Warhol. Al più tardi da quel momento Lichtenstein si era affermato come uno dei rappresentanti più importanti di questa corrente artistica.

Lo stile di Lichtenstein contraddiceva lo spirito artistico del tempo

Ciò che l'oggi famoso artista della Pop Art Roy Lichtenstein presentava con le sue opere aveva poco a che fare con il canone artistico degli anni Sessanta. Questo valeva sia per il suo modo di rappresentazione sia per la scelta dei suoi motivi.

Nella fase culminante dell'Espressionismo Astratto, Lichtenstein tornò alla figurazione. La sua opera era però molto lontana da un'arte realistica. Piuttosto sviluppò uno stile moderno unico, che presentava chiari parallelismi con l'estetica delle strisce a fumetti.

Così Lichtenstein riduceva i soggetti figurativi ai loro dettagli più necessari:

• Sottolineava spesso i contorni con spesse linee nere.
• Le sue scene figurative avevano quasi nessuna profondità spaziale.
• Limitava drasticamente la tavolozza cromatica e nelle sue opere utilizzava spesso solo pochi colori primari.

L'elemento compositivo senza dubbio più importante e il marchio distintivo inconfondibile di Lichtenstein erano però i punti retinati. Aveva ripreso questa tecnica dall'industria della stampa. Per risparmiare colore, nella stampa di alte tirature si era passati a sostituire le superfici colorate con un motivo a punti. L'occhio umano percepiva questa retinatura come una superficie uniforme.

Anche nei mondi figurativi Roy Lichtenstein entrò in un territorio nuovo. Trovava l'ispirazione per i suoi motivi nelle piccole cose, apparentemente banali, della quotidianità – una caratteristica che sarebbe diventata tipica di molti famosi artisti della Pop Art.

Come fonte per i suoi temi figurativi gli serviva la vita quotidiana immediata, soprattutto fumetti, illustrazioni e altre pubblicazioni. Per "Look Mickey", per esempio, sarebbe stato ispirato da una carta da chewing gum.

Ricorreva però anche a epoche artistiche passate. Citò ripetutamente mezzi stilistici del Cubismo o del Surrealismo e li combinò con il proprio linguaggio figurativo.

I motivi ridotti, quasi freddi, di Roy Lichtstein equivalsero a una rivoluzione nell'arte degli anni Sessanta. Tuttavia non collegò mai alla sua arte un messaggio o una missione. Non si considerava un artista politico e non voleva né "insegnare qualcosa alla società" né "migliorare il nostro mondo in qualsiasi modo", come disse una volta.

Ciononostante la sua arte era tutt'altro che banale o priva di contenuto. I suoi messaggi figurativi erano piuttosto di natura sottile. Così in molte opere si possono certamente trovare commenti critici fino a ironici sui mass media, sulle abitudini di consumo e sulla cultura popolare.

Inoltre, secondo le sue stesse dichiarazioni, Lichtenstein voleva stimolare il pubblico a confrontarsi con la produzione e la ricezione delle immagini. Che si trattasse di lifestyle americano, costosi simboli di status, il mondo luccicante delle celebrità o messe in scena mediatiche – Lichtenstein li disincantava e nelle sue opere li riportava con i piedi per terra.

Il famoso artista della Pop Art creò diversi capolavori

Con il suo Minimalismo e la tecnica pittorica con punti retinati, Lichtenstein svolse un importante lavoro pionieristico per la Pop Art. Creò inoltre numerose opere che oggi sono considerate icone di questa epoca:

• Tra gli highlight rientra senza dubbio "Look Mickey" del 1961, che divenne una pietra miliare non solo della sua carriera, ma dell'intera Pop Art.
• Sempre all'inizio degli anni Sessanta pubblicò con "Whaam!" un'altra delle sue opere più importanti. Il dittico mostra nella metà sinistra dell'immagine un jet da combattimento che lancia un razzo. Sul lato destro, contemporaneamente, esplode un altro aereo. Il fumetto che dà il nome all'opera, con la parola "Whaam!", è collocato a grandi lettere al centro dell'immagine.
• Tra le opere principali di Lichtenstein rientra anche "M-Maybe" dell'anno 1965. Mostra una giovane donna bionda davanti a uno skyline con il fumetto di pensiero "M-Maybe he became ill and couldn‘t leave the studio". Fu esposto nel 1968 alla documenta 4 e oggi appartiene alla collezione del Museum Ludwig a Köln.

Dal "forse peggior pittore" al precursore della Pop Art

Ai suoi tempi Roy Lichtenstein non era ancora considerato il famoso artista della Pop Art quale viene percepito oggi. Al contrario: all'inizio della sua carriera artistica, le sue opere incontrarono persino spesso incomprensione.

Suscitò critiche soprattutto il fatto che ignorasse i confini tra arte e cultura quotidiana. Anche la sua estetica appariva a molti commentatori semplicemente indegna delle belle arti. Così la rivista statunitense "Life" nel 1964 pose la domanda se Lichtenstein fosse forse il peggior artista degli Stati Uniti. Il pubblico, invece, ebbe decisamente meno difficoltà con la sua arte vicina alla quotidianità delle persone.

Oggi la sua prestazione pionieristica artistica trova senza riserve il meritato riconoscimento. Lo status di Lichtenstein è stato raggiunto solo da pochi altri noti artisti della Pop Art come Andy Warhol o Robert Rauschenberg.

Come altri famosi artisti della Pop Art, provocò una svolta radicale nelle belle arti. La sua influenza su arte e design continua ad agire fino a oggi. Il suo stile minimalista e i punti retinati sono già stati copiati e citati innumerevoli volte dalle generazioni artistiche successive. Questo dimostra quanto sia visionaria e senza tempo l'arte di Roy Lichtenstein.

L'artista della Pop Art più noto: Andy Warhol

Nessun artista incarna la Pop Art quanto Andy Warhol (1928–1987). Il suo nome è noto ben oltre i confini dell'arte ed è simbolo di una delle epoche più importanti del XX secolo.

Come molti altri artisti e artiste della Pop Art divenuti in seguito famosi, anche Warhol cercava i suoi motivi in tutto ciò che rappresentava la società americana dei consumi e dei media. Creò numerose opere iconiche come le lattine di zuppa "Campbell's" o ritratti di Marilyn Monroe. Al tempo stesso rese socialmente accettabile la serigrafia e la produzione seriale di opere d'arte. Con il suo operato ha cambiato durevolmente la storia dell'arte. Ancora oggi molti artisti e molte artiste beneficiano del suo spirito pionieristico e della sua ricchezza di idee.

Dal grafico pubblicitario alla superstar della Pop Art

Il successo di Andy Warhol non arrivò da un giorno all'altro. Furono necessarie diverse tappe prima che raggiungesse il suo status di artista della Pop Art più noto.

Warhol, all'anagrafe Andrew Warhola, era figlio di immigrati cecoslovacchi e proveniva da condizioni modeste. Nel 1949 concluse a Pittsburgh uno studio in pittura e design. Nello stesso anno si trasferì a New York. All'inizio si arrangiò con lavori occasionali, ma presto si fece un nome come grafico e designer. Con lavori grafici Warhol ebbe anche le sue prime mostre nel 1952 e nel 1956.

Dalla fine degli anni Cinquanta si concentrò però completamente sulla sua carriera come artista visivo. Nel 1962 aprì la leggendaria "Factory" – un misto tra atelier, laboratorio e luogo di produzione, ma anche un popolare punto d'incontro per artisti e celebrità. Qui nacquero molte delle sue opere seriali e diversi film.

Motivi quotidiani, serigrafia, produzione seriale: lo stile di Andy Warhol

Con il suo concetto artistico Andy Warhol superò molte convenzioni tradizionali delle belle arti. Il famoso artista della Pop Art ridefinì fondamentalmente motivi, tecnica e processo di produzione. Tra le sue maggiori innovazioni rientrava il fatto di trasformare oggetti quotidiani nei suoi motivi e di introdurre la serigrafia e la produzione seriale di opere d'arte.

Andy Warhol era un acuto osservatore della società americana dei consumi. Nei suoi mass media e prodotti quotidiani trovava anche i suoi motivi. Fu particolarmente ispirato da:

• immagini di giornali
• pubblicità
• fumetti
• beni di consumo e di lusso
• personalità prominenti della politica, della cultura e dello sport.

Anche se non si considerò mai un artista politico, dalla sua forma di elaborazione di fotografie e citazioni visive emergeva sempre anche un atteggiamento ironico fino a critico nei confronti della società e del mondo dei consumi e dei media.

Gli stava molto a cuore poter rendere le sue opere accessibili a un grande pubblico. Il maggior numero possibile di persone doveva comprendere i suoi lavori, ma anche poterseli permettere. Nella serigrafia trovò la tecnica perfetta per questo. All'inizio degli anni Sessanta Warhol aveva scoperto per sé questo procedimento di stampa originariamente industriale. Ora poteva produrre le sue opere d'arte in tirature quasi illimitate. La produzione seriale di massa generava non da ultimo anche entrate regolari, che gli davano sicurezza finanziaria per le sue numerose iniziative.

Per Warhol, però, la serigrafia non era solo un procedimento tecnico per la produzione e la riproduzione delle sue opere. La trasformò anche in un mezzo compositivo centrale nella produzione delle opere. Così le stampe nate in serigrafia avevano già, grazie alla loro retinatura, un'estetica molto individuale.

Alla serigrafia era dovuto anche il fatto che Warhol lavorasse per lo più con pochi colori. Del resto aveva già fortemente ridotto l'intero suo linguaggio figurativo. Applicava le poche tonalità, spesso sgargianti, in grandi superfici. Allo stesso tempo sottolineava i contorni caratteristici del motivo con linee nere.

Un'altra caratteristica tipica del suo lavoro era la ripetizione. Warhol trasferiva così l'idea di base della riproduzione direttamente nelle sue immagini. In molte delle sue serie di opere ripeteva gli stessi motivi o motivi molto simili all'interno di un'immagine. Talvolta variava le singole sezioni dell'immagine colorandole con colori diversi.

Molti motivi di Warhol divennero pietre miliari della Pop Art

A poche altre artiste e pochi altri artisti riuscì di produrre così tante opere di fama mondiale con motivi iconici come Andy Warhol. Senza dubbio il motivo più importante – sia per la sua carriera sia per la storia dell'arte – fu "Campell's Soup Can". Nel 1962 Warhol creò la prima serie serigrafica con la leggendaria etichetta della zuppa. Nel corso della sua carriera riprese ripetutamente il motivo e creò varianti in colori diversi o con ripetizioni multiple.

Per la pittura, la pubblicazione del motivo della lattina di zuppa significò una pietra miliare: Warhol aveva trasformato per la prima volta un oggetto quotidiano apparentemente banale in un'opera d'arte osservata in tutto il mondo. Seguirono altri articoli di consumo come bottiglie di Coca-Cola, una Mercedes o un flacone Chanel.

Diventarono quasi automaticamente celebri i ritratti che Warhol realizzò di personalità prominenti dell'attualità. Tra queste rientravano, tra l'altro

• Liz Taylor,
• Mick Jagger,
• Jackie Kennedy,
• John Lennon,
• Debbie Harry,
• Joseph Beuys,
• Michael Jackson o
• Elvis Presley.

Particolare scalpore suscitò il suo ritratto del presidente cinese Mao Zedong, che, a causa della sua linea socialista e della "Rivoluzione culturale", contraddiceva fondamentalmente lo spirito americano del tempo.

Il suo ritratto più importante, però, Warhol lo creò nel 1962 con il "Marilyn Diptych". Poco dopo la morte della leggendaria attrice, Warhol aveva scoperto una foto che era stata pubblicata in relazione al film "Niagara", in cui Monroe interpretava il ruolo principale. Per il "Marilyn Diptych" riprodusse la foto 25 volte per lato. Colorò la parte sinistra del dittico con pochi colori, mentre ridusse quella destra al bianco e nero.

Come le lattine di zuppa Campbell's, anche Marilyn di Andy Warhol divenne una pietra miliare della Pop Art. Nel corso della sua carriera riprese più volte la foto promozionale di Marilyn Monroe, per esempio in "Shot Marilyn" del 1964 o nella grande serie Reversal alla fine degli anni Settanta.

Accanto a celebrità e oggetti quotidiani, Warhol ebbe ancora altri temi centrali, per esempio

• rappresentazioni di animali (zebra, rinoceronte, mucca),
• piante ("Tropical", "Flowers"),
• immagini di incidenti e catastrofi (serie "Death & Desaster", "Car Crash") o
• fumetti (Superman, Mickey Mouse).

Molte di queste opere rientrano oggi anch'esse tra le opere significative del XX secolo.

Artista noto della Pop Art: Keith Haring – l'icona underground di New York

Le sue immagini sgargianti con semplici disegni di figure hanno già da decenni uno status di culto: Keith Haring (1958–1990) rappresenta come pochi altri l'arte degli anni Ottanta. Con il suo linguaggio figurativo minimalista e universale riuscì a rivolgersi a persone in tutto il mondo.

Anche se le sue opere in apparenza sembrano sempre allegre, spesso trasportano messaggi seri e importanti. Inoltre padroneggiava apparentemente senza sforzo il difficile equilibrio tra arte subculturale e commerciale. Occupava sia le pareti della metropolitana di New York sia quelle di gallerie alla moda.

Le sue opere sono oggi presenti in tutte le istituzioni artistiche e collezioni rinomate del mondo, per esempio nel Museum of Modern Art, New York, nel Museum Folkwang, Essen, nell'Albertina, Wien o alla Tate Gallery, London.

La New York degli anni Ottanta – il terreno fertile perfetto per la carriera di Keith Haring

La carriera artistica di Keith Haring difficilmente avrebbe potuto avere un successo simile in una città diversa da New York. Nella pulsante scena culturale della metropoli americana trovò da un lato ispirazione, dall'altro però anche spazi liberi sufficienti per realizzare le sue idee.

Già nella prima infanzia aveva mostrato interesse per pittura e disegno. Nel 1976 iniziò uno studio di grafica pubblicitaria alla "Ivy School of Professional Art" a Pittsburgh. Ma già dopo due anni si trasferì a New York e si iscrisse alla "School of Visual Arts".

Nella rinomata scuola privata imparò il mestiere artistico, ma altrettanto grande fu l'influenza che la scena dei club e della subcultura di New York esercitò su di lui. All'inizio degli anni Ottanta fu soprattutto la scena hip-hop con rap, breakdance e graffiti a guadagnare rapidamente popolarità. Ma anche artisti e artiste di molti altri generi come cinema, musica, performance e belle arti si organizzarono in una scena artistica variegata e dinamica.

Il noto artista della Pop Art strinse contatti con numerosi artisti e artiste, tra cui anche Andy Warhol e Jean-Michel Basquiat. Ispirato da graffiti e Pop Art, sviluppò il suo stile inconfondibile e riuscì rapidamente a farsi un nome a livello internazionale.

Nel 1982 ebbe già la sua prima mostra personale a New York. Nello stesso anno fu invitato alla documenta 7 a Kassel. Seguirono nel 1983 partecipazioni alla Whitney Biennale e alla Biennale di São Paulo. Nel 1986 il noto artista della Pop Art ricevette l'incarico di realizzare ad Amsterdam un murale alto 12 metri.

Fino alla sua morte precoce a soli 31 anni, il famoso artista della Pop Art aveva esposto in molte rinomate istituzioni artistiche del mondo, con circa 50 mostre personali.

Omini stilizzati con messaggio: lo stile di Keith Haring

Omini stilizzati, pittura rupestre, fumetti, disegno infantile: per descrivere lo stile di Keith Haring, sono stati ripetutamente chiamati in causa i più diversi parallelismi con altre forme di espressione artistica. Ma nessuno di questi tentativi di spiegazione rende giustizia al suo linguaggio figurativo individuale.

Senza dubbio il Minimalismo fu uno dei motivi guida di Haring. Riuscì, con pochi mezzi figurativi, a trasmettere una forte espressione e messaggi comprensibili. Aveva ridotto coerentemente i suoi oggetti figurativi alle loro caratteristiche essenziali. Spesso rimanevano solo pochi contorni, che sottolineava con spesse linee nere. Rinunciava inoltre completamente alla profondità spaziale e colorava grandi superfici delle sue immagini in modo monocromo.

Haring non dipingeva solo in modo molto minimalista, ma arredava anche le sue opere con pochi soggetti figurativi. Spesso gli bastavano una o due figure per creare una scena con un messaggio simbolico.

Nei suoi motivi non ricorreva, come molti altri famosi artisti della Pop Art, a oggetti quotidiani o contenuti mediatici. Piuttosto nelle sue opere si affollavano per lo più figure simili a esseri umani, ma anche animali e altri oggetti come cuori o dischi volanti.

Spesso si allontanava anche completamente dalla rappresentazione figurativa e progettava opere con grandi motivi astratti. Che fossero figurative o astratte – tutte le sue opere portano la sua tipica firma e sono immediatamente riconoscibili come un "Haring".

Keith Haring voleva democratizzare l'arte

Keith Haring attirò per la prima volta l'attenzione su di sé all'inizio degli anni Ottanta con la Street Art. Il suo territorio di lavoro preferito erano le stazioni della metropolitana di New York. Gli servivano da tele i pannelli pubblicitari inutilizzati, che si trovavano in tutte le stazioni della metro. Sul loro fondo nero Haring lasciava i suoi disegni con gesso bianco – naturalmente illegalmente. Tuttavia sparivano con la stessa rapidità con cui erano nati, perché venivano per lo più ricoperti di nuovo con manifesti pubblicitari.

Tra 5.000 e 10.000 varianti dei "Subway Drawings" Haring avrebbe creato fino alla metà degli anni Ottanta. Questa arte di guerriglia lo rese noto ben oltre i confini di New York. In questo, i "Subway Drawings" contraddicevano tutto ciò che il sistema dell'arte di quel tempo prevedeva per la presentazione e la distribuzione delle opere d'arte:

• Esistevano solo per un tempo molto limitato.
• Erano completamente pubbliche e potevano essere consumate facilmente – anche passando.
• Non potevano essere né vendute né esposte in altri luoghi.

Haring aveva pianificato e voluto tutto questo. Il suo motto era che la sua arte dovesse essere accessibile a tutte le persone senza limitazioni – anche al di fuori di musei e gallerie. Così seguiva la tradizione di altri famosi artisti della Pop Art come per esempio Andy Warhol.

Anche quando era già un artista affermato, utilizzò ripetutamente la possibilità di creare grandi murales nello spazio pubblico, per esempio a Pisa, Amsterdam, New York o Barcelona.

Keith Haring si impegnò anche in progetti politici e sociali

A prima vista le opere di Haring diffondono innanzitutto buonumore. Sono colorate, dinamiche, piene di ingenuità infantile e libertà espressiva. Inizialmente non vi si sospetta nulla di serio o minaccioso. Ma proprio in questo consisteva la strategia di Haring. Usava un linguaggio figurativo molto semplice e facilmente comprensibile per un'ampia gamma di temi e messaggi.

Ma non si limitò al confronto artistico con i problemi del presente. Si impegnò attivamente a livello politico e sociale, per esempio per Unicef o nel movimento anti-apartheid. Quando nel 1988 gli fu diagnosticata un'infezione da AIDS, l'informazione sulla mortale malattia immunitaria assunse per lui importanza.

Con la sua arte intelligente e il suo impegno sociale, Keith Haring aveva dimostrato che si poteva diventare uno degli artisti più importanti del XX secolo anche senza atteggiamenti da star, scandali e habitus elitario.

I famosi artisti della Pop Art scrissero la storia dell'arte

Lichtenstein, Warhol, Haring – tre noti artisti della Pop Art che plasmarono e contribuirono a formare in modo determinante questa epoca. Ognuno dei tre dimostrò a suo modo grande spirito pionieristico e sviluppò una forma di espressione artistica inconfondibile e senza tempo.

Anche se oggi sono ricondotti alla stessa denominazione, erano individualisti assoluti con stile, concezione dell'arte e percorso di carriera propri. Questo vale anche per numerosi altri noti artisti della Pop Art come

• Claes Oldenburg,
• Tom Wesselmann,
• James Francis Gill,
• Robert Indiana o
• Mel Ramos.

Tutti loro contribuirono con il proprio stile individuale in modo determinante a rendere la Pop Art l'epoca artistica più importante della seconda metà del XX secolo.

La loro influenza andò però ben oltre i confini dell'arte. La Pop Art ebbe effetti sia sulla moda, sia sul product design, sul design dei media e su molti ambiti della cultura. Anche oggi è ancora molto amata per il suo linguaggio figurativo colorato e facilmente leggibile, con motivi che chiunque riconosce.

Anche molte generazioni artistiche successive ripresero le caratteristiche compositive e la filosofia della Pop Art, per esempio

• Nikki de Saint-Phalle,
• James Rizzi,
• Jeff Koons o
• Mr. Brainwash.

Opere selezionate degli artisti della Pop Art