Berømte popkunstnere – Lichtenstein, Warhol, Haring

Kunst fra hverdagen – til hverdagen: Popkunst er en af de mest betydningsfulde epoker i det 20. århundrede. Dens kunstnere rystede grundvoldene i billedkunsten på flere måder. Det begyndte med valget af motiver: Mange popkunstnere hentede inspiration fra forbrugsgoder og massekultur. De introducerede også nye teknikker og lagde vægt på at gøre deres kunst overkommelig eller endda frit tilgængelig for offentligheden.

På trods af mange fælles træk kan spørgsmålet "Hvad er popkunst?" ikke besvares generelt. Kunstnerne, teknikkerne og værkerne i denne fase var for forskellige. Men hvis man ser på tre berømte popkunstnere – Roy Lichtenstein, Andy Warhol og Keith Haring – illustreres både de væsentlige karakteristika og de forskellige stilarter inden for popkunsten. Disse tre kunstnere prægede denne epoke på afgørende vis og betragtes stadig i dag som dens vigtigste repræsentanter.

Roy Lichtenstein – fra prikker til berømmelse

Roy Lichtenstein (1923–1997) er en af nøglefigurerne inden for amerikansk popkunst. Hans værker brobyggede mellem hverdagskultur og højkultur. Tilsyneladende små, ubetydelige fragmenter fra medier og popkultur blev iscenesat som mesterværker fra kunsthistorien i stort format og malet i olie. Hans umiskendelige varemærke var de sorte halvtonepunkter, som han fyldte overfladerne på sine billeder med.

Som mange andre kunstneriske pionerer blev Lichtenstein oprindeligt afvist af mange af sine samtidige. I dag er hans bidrag til udviklingen af billedkunsten imidlertid ubestridt, og hans værker findes i alle større gallerier og samlinger verden over.

Det begyndte med Mickey Mouse og Anders And

Roy Lichtenstein havde fra en ung alder en passion for kunst. Han viste stort talent, men en karriere som selvstændig kunstner var i starten længe om at materialisere sig.

Efter at have studeret på forskellige kunstakademier arbejdede han først som kunstlærer, teknisk tegner og designer. Samtidig fortsatte han dog med at skabe sine egne værker. I 1950 afholdt han sin første udstilling, som dog ikke var særlig succesrig. Dette ændrede sig i begyndelsen af 1960'erne.

I 1962 afholdt han sin første soloudstilling i Leo Castellis galleri, som blev en stor succes. Lichtenstein deltog også i udstillingen "The New Realists" på Sidney Janis Gallery i New York. For første gang blev værker af mange popkunstnere, såsom Claes Oldenburg og Andy Warhol, vist sammen i større skala. Fra da af etablerede Lichtenstein sig fast som en af de førende repræsentanter for denne kunstbevægelse.

Lichtensteins stil var i modstrid med tidens ånd

Det, den nu berømte popkunstner Roy Lichtenstein præsenterede med sine værker, havde kun lidt til fælles med 1960'ernes kunstneriske kanon. Dette gjaldt både hans måde at skildre på og hans valg af emner.

På højden af den abstrakte ekspressionisme vendte Lichtenstein tilbage til den figurative kunst. Hans kunst var dog langt fra realistisk. I stedet udviklede han en unik moderne stil med klare paralleller til tegneseriers æstetik. Lichtestein reducerede objekterne i sine billeder til deres mest essentielle detaljer.

• Han fremhævede ofte konturerne med tykke sorte linjer.
• Hans billedscener manglede rumlig dybde.
• Han begrænsede sin farvepalet kraftigt og brugte ofte kun få primærfarver.

Men Lichtensteins vigtigste designelement og umiskendelige kendetegn var halvtonepunkterne. Han overtog denne teknik fra trykkeribranchen. Oprindeligt udviklet for at spare blæk, blev farvefladerne i store oplag opdelt i prikmønstre. Det menneskelige øje opfattede dette gitter som en ensartet overflade.

Roy Lichtenstein banede også ny vej med sine billeder. Han fandt inspiration i de tilsyneladende banale detaljer i hverdagen – et træk, der blev typisk for mange popkunstnere.

Hans umiddelbare hverdag fungerede som kilde til hans billedmotiver, især tegneserier, illustrationer og andre publikationer. For eksempel siges en tyggegummipapir at have inspireret værket "Look Mickey".

Han citerede også fra tidligere kunstepoker, såsom kubisme eller surrealisme, og kombinerede dem med sit eget visuelle sprog.

Roy Lichtensteins reducerede, næsten kølige motiver udløste en revolution i 1960'ernes kunst. Alligevel knyttede han aldrig sin kunst til et budskab eller en politisk mission. Han så ikke sig selv som en politisk kunstner og ønskede ikke at "lære samfundet noget" eller "forbedre verden på nogen måde", som han engang sagde.

Ikke desto mindre var hans kunst langt fra banal eller indholdsløs. Hans udsagn var mere subtile og indeholdt ofte ironiske eller kritiske kommentarer til massemedierne, forbrugervaner og populærkulturen.

Han ønskede også, som han engang sagde, at opmuntre beskuerne til at reflektere over produktion og modtagelse af billeder. Uanset om det var den amerikanske livsstil, luksusvarer, den glamourøse verden af berømtheder eller medieproduktioner – Lichtenstein fjernede illusionerne og bragte dem tilbage til jorden.

Den berømte popkunstner skabte flere mesterværker

Med sin minimalistiske stil og teknikken med prikmaleri ydede Lichtenstein et banebrydende bidrag til popkunsten. Han skabte også adskillige værker, der i dag betragtes som ikoner for epoken:

• Et af højdepunkterne er uden tvivl "Look Mickey" fra 1961, som blev en milepæl for både hans karriere og popkunsten som helhed.
• Han udgav også et andet af sine vigtigste værker, "Whaam!", i begyndelsen af 1960'erne. Diptykonet viser et kampfly, der affyrer en raket til venstre i billedet. Samtidig eksploderer et andet fly til højre. Den eponyme taleboble med ordet "Whaam!" er placeret med store bogstaver i midten af billedet.
• Et andet af Lichtensteins vigtige værker er "M-Maybe" fra 1965. Det viser en ung blond kvinde foran en skyline med tankeboblen: "M-Maybe he became ill and couldn't leave the studio." Det blev udstillet på documenta 4 i 1968 og er nu en del af samlingen på Museum Ludwig i Köln.

Fra "muligvis den dårligste maler" til pioner inden for popkunst

Roy Lichtenstein blev ikke altid anerkendt som en vigtig figur inden for popkunsten. I begyndelsen mødte hans værker ofte forvirring, især fordi de udviskede grænserne mellem kunst og hverdagskultur.

Mange kritikere afviste hans stil som uværdig til at være kunst. I 1964 stillede magasinet Life endda spørgsmålet om, hvorvidt Lichtenstein var landets dårligste kunstner. Offentligheden fandt imidlertid hans kunst langt mere tilgængelig og relatabel.

I dag fejres hans kunstneriske gennembrud over hele verden. Kun få andre popkunstpionerer, herunder Andy Warhol og Robert Rauschenberg, kan måle sig med Lichtensteins ry.

Ligesom andre berømte popkunstnere medførte han en radikal forandring inden for billedkunsten. Hans indflydelse på kunst og design fortsætter med at give genlyd i dag. Hans minimalistiske stil og halvtonepunkter er blevet kopieret og refereret til utallige gange af efterfølgende generationer af kunstnere. Dette beviser, hvor visionær og tidløs Roy Lichtensteins kunst er.

Den mest berømte popkunstner: Andy Warhol

Ingen kunstner personificerer popkunsten så meget som Andy Warhol (1928–1987). Hans navn er kendt langt ud over kunstverdenen og står som et symbol på en af de vigtigste epoker i det 20. århundrede.

Ligesom mange andre popkunstnere, der senere blev berømte, hentede Warhol sine motiver fra det, der bedst repræsenterede det amerikanske forbruger- og mediesamfund. Han skabte utallige ikoniske værker – fra Campbell's suppedåser til portrætter af Marilyn Monroe. Samtidig bragte han serigrafi og serieproduktion af kunstværker ind i mainstream. Med sit arbejde ændrede han kunsthistoriens forløb. Den dag i dag nyder mange kunstnere godt af hans banebrydende ideer og kreativitet.

Fra kommerciel illustrator til popkunsts superstjerne

Andy Warhols succes kom ikke fra den ene dag til den anden. Det tog flere faser, før han opnåede sin status som den mest berømte popkunstner.

Han blev født som Andrew Warhola, var søn af tjekkoslovakiske indvandrere og voksede op under beskedne kår. I 1949 afsluttede han sine studier i maleri og design i Pittsburgh. Samme år flyttede han til New York, hvor han i starten overlevede på småjobs, inden han etablerede sig som grafisk designer. Warhol havde også sine første udstillinger i 1952 og 1956 med grafiske værker.

I slutningen af 1950'erne helligede Warhol sig dog udelukkende billedkunsten. I 1962 åbnede han den legendariske "Factory" – en blanding af atelier, værksted og produktionssted, men også et populært mødested for kunstnere og berømtheder. Mange af hans serielle værker samt flere film blev skabt der.

Hverdagsmotiver, serigrafi, serieproduktion: Andy Warhols stil

Med sit kunstneriske koncept tilsidesatte Andy Warhol mange af de traditionelle konventioner inden for billedkunsten. Den berømte popkunstner omdefinerede fundamentalt motiver, teknikker og produktionsprocesser. Blandt hans største innovationer var hans brug af hverdagsobjekter som motiver og hans introduktion af serigrafi og serieproduktion af kunstværker.

Warhol var en skarp iagttager af det amerikanske forbrugersamfund. Han fandt inspiration i massemedierne og hverdagens produkter. Han var især inspireret af:

• Aviser
• Reklame
• Tegneserier
• Forbrugs- og luksusvarer
• Berømtheder fra politik, kultur og sport i sine værker.

Selvom han aldrig så sig selv som en politisk kunstner, bar hans behandling af fotografier og billedcitater ofte en ironisk eller kritisk holdning til samfundet og medierne.

Det var meget vigtigt for ham at gøre sine værker tilgængelige for et stort publikum. Så mange mennesker som muligt skulle kunne forstå hans værker, men også have råd til dem. Han fandt den perfekte teknik til dette i serigrafi. I begyndelsen af 1960'erne opdagede Warhol denne oprindeligt industrielle trykproces for sig selv. Nu kunne han producere sine kunstværker i næsten ubegrænsede oplag. Ikke mindst genererede serieproduktion også en regelmæssig indkomst, hvilket gav ham økonomisk sikkerhed for sine mange projekter.

Silketryk var ikke kun en teknisk proces til produktion og reproduktion af hans værker for Warhol. Han gjorde det også til et centralt kunstnerisk redskab i skabelsen af sine værker. De tryk, der blev produceret ved silketryk, havde allerede en meget karakteristisk æstetik på grund af deres gitterstruktur.

Det var også på grund af denne teknik, at Warhol normalt kun arbejdede med få farver. Hele hans visuelle sprog var allerede stærkt reduceret. Han anvendte de få, ofte skrigende lyse toner i store områder. Samtidig fremhævede han motivets karakteristiske konturer med sorte linjer.

Et andet typisk træk ved hans arbejde var gentagelse. Dermed overførte Warhol den grundlæggende idé om multiplikation direkte til sine billeder. I mange af sine serier gentog han de samme eller meget lignende motiver inden for et enkelt værk. Nogle gange varierede han de enkelte billeder ved at farvelægge dem i forskellige nuancer.

Mange af Warhols motiver blev milepæle inden for popkunsten

Kun meget få andre kunstnere formåede at producere så mange verdensberømte værker med ikoniske motiver som Andy Warhol. Det vigtigste motiv – både for hans karriere og for kunsthistorien – var uden tvivl "Campbell's Soup Can". I 1962 skabte Warhol sin første serigrafiserie med det legendariske suppemærke. Gennem hele sin karriere vendte han gentagne gange tilbage til dette motiv og skabte versioner i forskellige farver eller med flere gentagelser.

For malerkunsten markerede udgivelsen af suppedåsemotivet en milepæl: For første gang havde Warhol forvandlet et tilsyneladende banalt hverdagsgenstand til et kunstværk, der blev anerkendt over hele verden. Dette blev efterfulgt af andre forbrugsgoder såsom Coca-Cola-flasker, en Mercedes-bil eller en Chanel-parfumeflaske.

Hans portrætter af datidens berømte personligheder blev også øjeblikkeligt en succes. Blandt dem var

• Liz Taylor,
• Mick Jagger,
• Jackie Kennedy,
• John Lennon,
• Debbie Harry,
• Joseph Beuys,
• Michael Jackson og
• Elvis Presley.

Hans portræt af den kinesiske præsident Mao Zedong vakte særlig opsigt, da Mao med sin socialistiske politik og "kulturrevolutionen" stod i fundamental modsætning til den amerikanske tidsånd.

Warhols vigtigste portræt blev dog skabt i 1962 med "Marilyn Diptych". Kort efter den legendariske skuespillerindes død opdagede Warhol et foto, der var blevet offentliggjort i forbindelse med filmen Niagara, hvor Monroe spillede hovedrollen. Til Marilyn Diptych reproducerede han fotoet 25 gange hver. På venstre side af diptyken farvelagde han det med et par nuancer, på højre side reducerede han det til sort-hvid.

Ligesom Campbell's Soup Cans blev Andy Warhols Marilyn også en milepæl inden for popkunsten. Warhol vendte tilbage til reklamebilledet af Marilyn Monroe flere gange i løbet af sin karriere, for eksempel i "Shot Marilyn" i 1964 eller i den store reverseringsserie i slutningen af 1970'erne.

Ud over berømtheder og hverdagsobjekter arbejdede Warhol også med andre temaer, såsom

• dyreverdenen (zebra, næsehorn, ko),
• planter ("Tropical", "Flowers"),
• ulykke- og katastrofebilleder (serien "Death & Disaster", "Car Crash") eller
• tegneseriefigurer (Superman, Mickey Mouse).

Mange af disse værker regnes i dag også blandt de vigtigste i det 20. århundrede.

Berømt popkunstner: Keith Haring – New Yorks undergrundsikon

Hans dristige billeder med enkle figurtegninger har haft kultstatus i årtier: Keith Haring (1958–1990) repræsenterer som få andre kunsten i 1980'erne. Med sit minimalistiske og universelle visuelle sprog formåede han at nå ud til mennesker over hele verden.

Selvom hans værker ved første øjekast virker muntre, bærer de ofte alvorlige og vigtige budskaber. Han mestrede også, tilsyneladende uden besvær, balancen mellem subkulturel og kommerciel kunst. Han arbejdede både på væggene i New Yorks metro og i fashionable gallerier.

I dag er hans værker repræsenteret i alle anerkendte kunstinstitutioner og samlinger verden over, for eksempel på Museum of Modern Art i New York, Museum Folkwang i Essen, Albertina i Wien og Tate Gallery i London.

New York i 1980'erne – den perfekte grobund for Keith Harings karriere

Keith Harings kunstneriske karriere kunne næppe have udviklet sig så succesfuldt i nogen anden by end New York. I den pulserende kulturscene i den amerikanske metropol fandt han på den ene side inspiration og på den anden side tilstrækkelig frihed til at realisere sine ideer.

Fra en tidlig alder havde han vist interesse for maleri og tegning. I 1976 begyndte han at studere kommerciel kunst på "Ivy School of Professional Art" i Pittsburgh. Men efter kun to år flyttede han til New York og indskrev sig på "School of Visual Arts".

På denne renommerede private institution tilegnede han sig kunstneriske færdigheder, men lige så stor indflydelse havde New Yorks klub- og subkultur på ham. I begyndelsen af 1980'erne var det især hiphop-scenen med rap, breakdance og graffiti, der hurtigt vandt popularitet. Men kunstnere fra mange andre genrer, såsom film, musik, performance og billedkunst, organiserede sig også i en mangfoldig og dynamisk kunstscene.

Den berømte popkunstner fik kontakt til adskillige kunstnere, herunder Andy Warhol og Jean-Michel Basquiat. Inspireret af graffiti og popkunst udviklede han sin umiskendelige stil og kunne snart gøre sig bemærket internationalt.

I 1982 havde han allerede sin første soloudstilling i New York. Samme år blev han inviteret til documenta 7 i Kassel, Tyskland. Dette blev efterfulgt i 1983 af deltagelse i Whitney Biennale og São Paulo Biennale. I 1986 fik popkunstneren til opgave at skabe et 12 meter højt vægmaleri i Amsterdam.

Da han døde i en alder af kun 31 år, havde den berømte popkunstner udstillet på mange kendte kunstinstitutioner rundt om i verden, herunder omkring 50 soloudstillinger.

Stregfigurer med et budskab: Keith Harings stil

Stregfigurer, hulemalerier, tegneserier og børnetegninger: De mest forskelligartede sammenligninger er blevet brugt til at beskrive Keith Harings stil. Men ingen af disse tilgange gør hans individuelle visuelle sprog retfærdighed.

Minimalisme var uden tvivl et af Harings ledende principper. Han formåede at formidle stærke udtryk og klare budskaber med meget få visuelle midler. Han reducerede konsekvent sine billedobjekter til deres væsentligste træk. Ofte var der kun få konturer tilbage, som han fremhævede med tykke sorte streger. Han undgik også fuldstændigt rumlig dybde og farvelagde store områder af sine billeder monokromatisk.

Haring malede ikke kun meget minimalt, men udstyrede også sine værker med kun få billedobjekter. Ofte behøvede han kun en eller to figurer for at skabe en scene med et symbolsk budskab.

I modsætning til mange andre berømte popkunstnere hentede han ikke sine motiver fra hverdagsobjekter eller medieindhold. I stedet var hans værker hovedsageligt befolket af menneskelignende figurer, men også dyr og andre objekter såsom hjerter eller flyvende tallerkener.

Han bevægede sig ofte helt væk fra den figurative fremstilling og designede værker med store abstrakte mønstre. Uanset om de var figurative eller abstrakte, bar alle hans værker hans typiske signatur og var umiddelbart genkendelige som en "Haring".

Keith Haring ønskede at demokratisere kunsten

Keith Haring vakte først opmærksomhed i begyndelsen af 1980'erne med gadekunst. Hans foretrukne arbejdsmiljø var metrostationerne i New York. Ubrugte reklametavler, som man fandt i alle stationer, fungerede som hans lærreder. På deres sorte baggrund tegnede Haring med hvidt kridt – naturligvis ulovligt. Hans tegninger forsvandt dog lige så hurtigt, som de dukkede op, da de som regel blev dækket til igen med reklameplakater.

Mellem 5.000 og 10.000 versioner af disse "Subway Drawings" siges at være blevet skabt af Haring i midten af 1980'erne. Denne guerilla-kunst gjorde ham kendt langt uden for New York. "Subway Drawings" var i modstrid med alt, hvad datidens kunstverden foreskrev for præsentation og distribution af kunstværker:

• De eksisterede kun i kort tid.
• De var fuldt ud offentlige og kunne let konsumeres – selv i forbifarten.
• De kunne hverken sælges eller udstilles andre steder.

Alt dette var bevidst og tilsigtet. Hans motto var, at hans kunst skulle være tilgængelig for alle uden begrænsninger – også uden for museer og gallerier. Hermed fulgte han traditionen fra andre berømte popkunstnere som Andy Warhol.

Selv som etableret kunstner benyttede han gentagne gange lejligheden til at skabe store vægmalerier i det offentlige rum, for eksempel i Pisa, Amsterdam, New York eller Barcelona.

Keith Haring engagerede sig også i politiske og sociale projekter

Ved første øjekast udstråler Harings værker glæde. De er farverige, dynamiske, fulde af barnlig naivitet og udtryksfrihed. I første omgang antager man ikke, at der ligger noget alvorligt eller truende bag dem. Men det var netop Harings strategi. Han brugte et meget enkelt og letforståeligt visuelt sprog til en bred vifte af temaer og budskaber.

Men Haring stoppede ikke ved kunstnerisk engagement i nutidens problemer. Han blev politisk og socialt aktiv, for eksempel for UNICEF eller i anti-apartheid-bevægelsen. Da han i 1988 blev diagnosticeret med AIDS, blev det stadig vigtigere for ham at øge bevidstheden om den dødelige immunsygdom.

Med sin intelligente kunst og sit sociale engagement beviste Keith Haring, at man kunne blive en af det 20. århundredes vigtigste kunstnere uden stjerneallurer, skandaler eller elitær prætentiøsitet.

Popkunstnerne skrev kunsthistorie

Lichtenstein, Warhol og Haring – tre berømte popkunstnere, der på afgørende vis formede og påvirkede denne epoke. Hver af de tre udviste på sin måde stor pionerånd og udviklede en karakteristisk og tidløs kunstnerisk udtryksform.

Selvom de i dag er samlet under samme betegnelse, var de absolutte individualister med hver deres stil, kunstneriske forståelse og karrierevej. Dette gælder også for en lang række andre kendte popkunstnere som

• Claes Oldenburg,
• Tom Wesselmann,
• James Francis Gill,
• Robert Indiana og
• Mel Ramos.

Med deres individuelle stilarter bidrog de alle i høj grad til at gøre popkunsten til den mest betydningsfulde kunstneriske epoke i anden halvdel af det 20. århundrede.

Men deres indflydelse strakte sig langt ud over kunstens grænser. Pop Art havde også indflydelse på mode, produktdesign, mediedesign og mange andre områder inden for kulturen. Den er stadig populær i dag takket være sine farverige, letlæselige billeder med motiver, som alle genkender.

Mange efterfølgende generationer af kunstnere har hentet inspiration fra Pop Arts træk og filosofi, for eksempel

• Nikki de Saint-Phalle,
• James Rizzi,
• Jeff Koons eller
• Mr. Brainwash.

Udvalgte værker af disse popkunstnere