5 sculture famose di cui dovreste sapere di più

La scultura appartiene da diverse decine di migliaia di anni alla storia culturale dell'umanità. Sculture famose come l'"Uomo leone di Hohlenstein-Stadel", la "Venere di Willendorf" e la "Venere di Hohle Fels" sono datate a un'età compresa tra 30.000 e 40.000 anni. Fin dai suoi inizi, la scultura si è sviluppata continuamente nelle epoche artistiche.

Famose sculture greche come la "Nike di Samotracia", il "Discobolo" o la "Venere di Milo" testimoniano la grande maestria artigianale dell'Antichità. Nel Rinascimento, Barocco e Classicismo, gli scultori e le scultrici perfezionarono la rappresentazione delle persone nelle loro statue. Nel XX secolo, poi, stili progressivi come Espressionismo, Astrazione o Pop Art portarono una ventata d'aria fresca nella scultura.

Molte sculture di artiste e artisti noti divennero icone della rispettiva epoca. Di seguito desideriamo presentarvi cinque sculture famose che non rappresentano solo pietre miliari della storia dell'arte, ma possiedono anche biografie molto particolari.

La Venere di Milo - enigmatica bellezza dell'Antichità

Quando si parla di sculture famose, non si può non citare la Venere di Milo. La statua alta 2,02 metri appartiene ai reperti più significativi dell'arte ellenistica.

La Venere di Milo risale circa alla fine del II secolo a. C. La scultura fu realizzata in marmo e probabilmente in seguito - come molte famose sculture greche - dipinta a colori. Tuttavia i colori sbiadirono nel corso dei secoli.

Non esistono informazioni certe sull'artista che ha creato la statua. Anche il fatto che la scultura rappresenti la dea Venere non è completamente dimostrato. Alcune ricercatrici e alcuni ricercatori vogliono vedervi la dea del mare Amphitrite, altri la dea della vittoria Victoria.

Un capolavoro incompleto pieno di miti

Oggi la Venere di Milo appartiene probabilmente ai ritratti femminili più famosi della storia dell'arte. Nel Louvre di Paris è una delle grandi attrazioni - e questo sebbene la famosa scultura non sia del tutto completa, poiché le mancano le braccia ovvero le mani. Non è chiaro se queste siano andate perdute durante il trasporto in Francia o se non siano mai state trovate. Ma presumibilmente sono proprio questi frammenti mancanti a costituire il mito della statua.

Numerose speculazioni circondano l'aspetto delle parti del corpo mancanti. Alcune teorie partono dal presupposto che la Venere potesse aver portato uno scudo, altre invece parlano di una mela come simbolo di vittoria. Ma anche un arco, una lancia, un'anfora oppure filo e fuso sono stati discussi come possibili oggetti.

Quale versione sia corretta, finora – come tante altre leggende intorno alla Venere di Milo - non è stato possibile chiarirlo. Ma sono non da ultimo questi segreti a renderla così affascinante. La sua influenza sull'arte e sulla cultura arriva fino al presente. Come altre sculture famose, la Venere di Milo è ancora presente nell'arte attuale e viene regolarmente citata e copiata in opere contemporanee.

"David" di Michelangelo - una delle sculture più note del Rinascimento

Durante un viaggio a Firenze, una visita alla "Galleria dell'Accademia di Firenze" non può mancare. Qui, nel museo dell'"Accademia di Belle Arti", si trovano diverse sculture famose, anche il "David" dello scultore italiano Michelangelo Buonarroti (1475–1564).

La statua rientra tra le più note sculture del Rinascimento e mostra la figura biblica di David. Secondo i racconti dell'Antico Testamento, David aveva sconfitto il temuto gigante Goliat da solo con una fionda. Michelangelo ritrasse il coraggioso giovane pastore in una scultura di marmo. Essa dovrebbe mostrare David poco prima del combattimento con Goliat.

Michelangelo, in questa scultura di nudo, padroneggiò perfettamente una modellazione fedele alla natura. Definì la muscolatura delle braccia e dell'addome, le vene sporgenti e i tratti del volto espressivi in modo estremamente realistico. Solo nella mano destra Michelangelo si discostò dal modo di rappresentazione fedele alla natura e la modellò sproporzionatamente grande. Questo però era voluto. La mano sovradimensionata doveva servire come simbolo di forza e capacità d'azione.

Eppure, il colosso di marmo famoso in tutto il mondo non ha sempre suscitato ammirazione incondizionata: il suo rivale dell’epoca, Leonardo da Vinci, espresse commenti sprezzanti sul capolavoro di Michelangelo nel periodo precedente alla sua installazione, criticando in particolare la rappresentazione del nudo. Potete leggere di più sull’affascinante e profondamente controverso rapporto tra questi due grandi geni del Rinascimento nel nostro articolo "Michelangelo e da Vinci – il duello dei geni del Rinascimento".

Il percorso dalla materia grezza all'icona dell'arte

Nel 1501 Michelangelo aveva iniziato i lavori alla statua alta 5,17 metri. Gli furono necessari oltre tre anni per ricavare la figura da un unico blocco di marmo. Questo monolite era originariamente previsto per un altro progetto artistico circa 40 anni prima. Doveva essere utilizzato per dodici figure sulle pareti esterne del Duomo di Firenze. Dopo che diversi scultori erano falliti in questo compito, il blocco di marmo fu messo in deposito e riscoperto solo per il "David".

Dopo che Michelangelo ebbe terminato il lavoro alla scultura nel 1504, si accese un dibattito su quale luogo di Firenze dovesse accoglierla. Per prendere questa decisione di ampia portata, fu formata una commissione di 30 membri. Questa decise infine di collocare la scultura in Piazza della Signoria davanti all'ingresso principale di Palazzo Vecchio, allora sede del governo. Qui doveva servire come simbolo del potere del governo e come monito per i nemici interni ed esterni.

Alla fine del XIX secolo la scultura fu però portata nelle sale della Galleria dell'Accademia, per proteggerla dagli agenti ambientali. Al posto dell'originale, all'inizio del XX secolo fu collocata una copia in scala fedele. L'originale nella Galleria dell'Accademia appartiene oggi alle attrazioni più amate della città.

"Il pensatore" - dalla Porta dell'Inferno alla scultura celebre in tutto il mondo

"Il pensatore" di Auguste Rodin (1840-1917) rientra tra le più significative sculture del XIX secolo e raggiunse grande notorietà anche al di là del mondo dell'arte. Il capolavoro di Rodin si è sviluppato nel corso dei decenni in un vero oggetto di culto.

Il pensatore viene utilizzato nei contesti più diversi come simbolo, per esempio per il pensiero creativo, la ragione o la filosofia. È stato anche copiato, citato o parodiato innumerevoli volte. Così compare per esempio in altre opere d'arte, come quelle di Nam June Paik o Edvard Munch, nonché in cartoni animati, meme e pubblicità.

L'originale del Pensatore si trova nella collezione del Musée Rodin a Paris. Una copia si trova anch'essa a Paris presso la tomba di Rodin. Oltre a ciò, in tutto il mondo dovrebbero esistere circa 40 ulteriori fusioni in bronzo e gesso dall'originale. Queste sono amate da collezioniste e collezionisti come poche altre sculture famose. Solo raramente compaiono alle aste e di norma vengono aggiudicate per somme milionarie a due cifre.

Come dal "Poeta" nacque un "Pensatore"

Nel 1880 Rodin ricevette dallo Stato francese l'incarico di progettare un rilievo monumentale per il previsto "Musée des Arts Décoratifs" a Paris. Come modello letterario doveva servire la "Divina Commedia" di Dante Alighieri. La scultura oggi nota come Pensatore doveva essere solo una tra circa 200 figure sul portale. Qui portava ancora il nome "Il poeta" o "Dante". Era alta solo 72 centimetri e troneggiava sopra la porta dell'inferno. Nel 1888 Rodin estrasse la figura da questo progetto e la trasformò in una scultura autonoma, alta circa 1,80 metri, con il titolo oggi noto.

Rodin aveva lavorato alla Porta dell'Inferno per oltre 30 anni. Nel frattempo i piani di costruire il museo erano però stati abbandonati da tempo, e così l'opera originaria - e con essa anche il Pensatore nella sua versione originale - non poté mai essere realizzata. Solo nel 1926 fu realizzata per la prima volta una fusione completa in bronzo della Porta dell'Inferno.

Auguste Rodin è oggi considerato un importante precursore della scultura moderna. Già presto si era allontanato dalla modellazione tradizionale e aveva cercato il proprio stile individuale. Come molte sculture famose di Rodin, anche il suo "Pensatore" non corrispondeva agli ideali artistici contemporanei della fine del XIX secolo.

Rodin si era inizialmente orientato a una persona reale - il pugile e lottatore francese Jean Baud. Ma in molti punti della modellazione si discostò più tardi dall'aspetto reale del suo modello. Non rispettò le proporzioni reali, così che mani e piedi appaiono innaturalmente grandi. Inoltre non lavorò la superficie della scultura in tutti i dettagli, ma la lasciò irregolare con tracce di lavorazione. Anche la postura introversa e curva del corpo appare poco eroica ed era piuttosto atipica per la sua epoca.

Che cosa pensa il Pensatore?

Questa statua è molto interessante non solo per il suo stile insolito. Da decenni storiche e storici dell'arte nonché il pubblico si chiedono quale significato possa avere il Pensatore. L'interpretazione più ovvia della scultura in base al titolo sottolinea il processo di pensiero concentrato. Questa prospettiva fa della statua un simbolo universale di creatività, filosofia e ragione.

Altre interpretazioni vogliono vedere nella figura il poeta Dante stesso, che in una sorta di autoriflessione guarda dall'alto l'accaduto e i personaggi della propria opera della "Divina Commedia". In una direzione completamente diversa vanno le supposizioni secondo cui il Pensatore potrebbe essere Rodin personalmente, che riflette sulla propria opera.

Se una di queste teorie sia corretta o se Rodin avesse in mente qualcosa di completamente diverso con il Pensatore, probabilmente non potrà mai più essere chiarito senza ombra di dubbio. La domanda "Che cosa pensa il Pensatore" occuperà dunque ancora molte generazioni future.

"Il fluttuante" - la famosa figura in bronzo di Barlach e la sua biografia movimentata

Creò sculture famose con una sensibilità unica e un'intensa forza simbolica – l'Espressionista tedesco Ernst Barlach (1870-1938). Al centro del suo lavoro pose sempre l'essere umano con tutti i suoi sentimenti, preoccupazioni e bisogni. Le sue sculture raccontano spesso piccole storie e possiedono sempre un livello simbolico.

Barlach trattò nella sua opera anche temi critici verso il tempo e molto seri. Il motivo furono non da ultimo esperienze personali che aveva fatto nella Prima Guerra Mondiale, ma soprattutto nella dittatura dei Nazionalsocialisti. Sotto il regime nazista era considerato degenerato. Le sue opere furono rimosse da mostre e dallo spazio pubblico, inoltre Barlach si aspettava in qualsiasi momento un divieto professionale.

La scultura famosa come risposta agli eventi bellici

Ernst Barlach creò nella sua carriera numerose opere famose - e con "Il fluttuante" una delle più note sculture del XX secolo. L'opera mostra un monumentale angelo in bronzo, che - sospeso a catene - sembra muoversi liberamente nell'aria. Barlach l'aveva realizzato come lavoro su commissione per la celebrazione dei 700 anni del Duomo di Güstrow nel 1927.

La scultura doveva ricordare i soldati caduti nella Prima Guerra Mondiale. Ma Barlach non voleva creare uno dei monumenti di guerra usuali al suo tempo, nei quali i soldati vengono glorificati come eroi. Al contrario, mostra un angelo raccolto in sé, che irradia quiete e pace. Barlach voleva restituire in questa "figura del destino fluttuante" qualcosa del vuoto che aveva provato nella Prima Guerra Mondiale.

Nonostante la sua interpretazione sensibile del tema, la scultura incontrò rifiuto. I Nazionalsocialisti considerarono la rappresentazione indegna e un'"offesa per ogni soldato".

Nell'agosto 1937 il Fluttuante fu rimosso dal Duomo di Güstrow e più tardi fuso. Fortunatamente il modello in gesso della scultura rimase conservato, così che amici di Barlach poterono realizzare ancora nel 1939 una fusione successiva. Questa è appesa dal 1952 nella Antoniterkirche di Köln.

Anche il modello in gesso andò perduto più tardi in un bombardamento. Tuttavia, sulla base dell'angelo di Köln, fu realizzata una terza fusione in bronzo, che la Antoniterkirche donò al Duomo di Güstrow nel 1953. In questo modo il Fluttuante poté ritornare al suo luogo d'origine.

Famoso come un animale: il "Balloon Dog" di Jeff Koons

L'artista americano Jeff Koons, classe 1955, appartiene da molti anni alla punta di diamante dell'arte contemporanea. Si è fatto un nome soprattutto con opere provocatorie e polarizzanti. Nel suo Œuvre composto da pittura, scultura, fotografia e installazione, oscilla abilmente tra kitsch e alta cultura.

Del tutto nella tradizione della Pop Art, Koons riprende nelle sue opere oggetti della quotidianità e della cultura pop. Per lo più li straniava o li collocava in nuovi contesti. Con i suoi lavori mette alla prova oggetti familiari e i loro significati e sottopone a verifica il mondo del consumo, ma anche quello dell'arte.

Jeff Koons creò numerose plastiche famose, per esempio l'installazione alta dodici metri "Puppy", composta da 17.000 fiori, o le sue celebri sculture a palloncino. Tra queste ultime rientrano anche i "Balloon Dogs". Questi nacquero nell'ambito della grande serie di opere di Koons "Celebration". In essa riprese oggetti, motivi e rituali legati a compleanni, giorni festivi e altre festività. Diverse plastiche famose appartengono a questa serie.

I Balloon Dogs nacquero tra il 1994 e il 2000. Koons si lasciò ispirare da figure che alle feste di compleanno dei bambini vengono annodate con palloncini. Li concepì inizialmente come sculture in acciaio inox alte oltre tre metri. Più tardi si aggiunsero varianti più piccole, realizzate in porcellana.

I Balloon Dogs iniziarono tutti come piccoli modelli. Da questi Koons e le sue collaboratrici e i suoi collaboratori crearono animazioni 3D con l'aiuto della tecnologia informatica. Sulla base di questi modelli digitali fecero produrre singoli segmenti in acciaio inox, che in seguito saldarono insieme. Successivamente levigarono e lucidaronola superficie. Infine rivestirono le sculture con rivestimenti trasparenti in blu, magenta, giallo, arancione e rosso.

I Balloon Dogs di Jeff Koons appartengono ormai alle icone dell'arte moderna. Altre artiste e altri artisti hanno già iniziato a citare i Balloon Dogs nelle proprie opere, per esempio Banksy o Mr. Brainwash. Anche alle aste gli originali del Balloon Dog sono estremamente ambiti. Nel 2013 una versione in arancione fu battuta da Christie's per 58,4 milioni di dollari USA.

Scultura oggi: innovativa, attuale e variegata

Uno sguardo retrospettivo alla storia della scultura mostra che essa si trova in un cambiamento costante. Così come cambiano le condizioni sociali e culturali, la scultura si adatta con nuovi temi e principi compositivi.

Oltre a ciò, diversi altri fattori influenzano la scultura. La scultura conobbe il più significativo cambio di paradigma quando l'Astrazione iniziò ad affermarsi nelle belle arti. L'abbandono dei motivi figurativi tradizionali aprì alla scultura un vasto campo di nuove possibilità. Le artiste e gli artisti iniziarono a giocare liberamente con strutture e forme non figurative e crearono così mondi di esperienza completamente nuovi.

Anche il progresso tecnico esercita una grande influenza. Scultrici e scultori riprendono oggi spesso innovazioni nei materiali e nelle macchine e le adattano alle proprie esigenze. Utilizzano certo ancora materiali antichi di secoli come legno, pietra o metalli. Ma si sono aggiunti anche numerosi materiali, come per esempio vetro, porcellana o diverse materie plastiche.

Inoltre le possibilità artistiche si ampliano continuamente grazie a moderni procedimenti tecnici di produzione. Oggi scultrici e scultori ricorrono sempre più spesso a modelli digitali al computer, trapani, seghe o fresatrici o altre tecnologie provenienti dall'industria.

Inoltre un vivace scambio tra stili e tecniche contribuisce all'ulteriore sviluppo della scultura. Questo fa sì che essa rimanga sempre vitale e attuale. E così le sculture moderne all'inizio del XXI secolo presentano una grande varietà di temi, tecniche e stili.