Donne nell'arte: barriere e desiderio di parità
La storia dell'arte racchiude uno spettro sfaccettato di talenti, ma troppo spesso i contributi delle donne restano all'ombra dei loro colleghi maschi – ignorati, trascurati o sottovalutati. Le donne artiste furono persino definite con disprezzo "Malweiber" fino al XIX secolo. Ancora oggi l'arte delle donne riceve meno attenzione, sebbene siano sempre esistite donne forti nell'arte con straordinaria abilità artistica e creatività.
Un viaggio attraverso le epoche
XV e XVI secolo
Nel Rinascimento le donne venivano incoraggiate a dipingere, poiché era considerato auspicabile che le donne fossero esperte d'arte. Sebbene il Rinascimento segni la prima epoca in cui alcune poche artiste ottennero riconoscimento internazionale, la maggior parte dei contributi artistici delle donne rimase tuttavia spesso sconosciuta e fu raramente apprezzata.
Il Rinascimento portò a un cambiamento dell'arte, per cui dagli artisti e dalle artiste ci si aspettava tra l'altro che possedessero conoscenze di matematica o del corpo umano. Lo studio del corpo umano richiedeva per esempio il lavoro con nudi maschili. Gli artisti acquisivano queste nuove conoscenze nelle accademie d'arte. Tuttavia l'accesso alle accademie d'arte rimase precluso alle donne, cosa che portò all'esclusione di molte donne talentuose e al mancato adeguato riconoscimento del loro lavoro.
Iniziò una lunga lotta delle donne per una formazione artistica accademica, che in parte fu risolta solo nel XX secolo. Queste esclusioni sistematiche contribuirono in modo determinante al fatto che i nomi di molte artiste talentuose del Rinascimento sbiadissero all'ombra dei loro colleghi maschi e che le donne si adeguassero alle strutture patriarcali e decidessero contro una carriera artistica.
Arte delle donne nel XVII e XVIII secolo
Con l'inizio dell'epoca Barocca e il successivo passaggio all'Illuminismo si poté osservare un cambiamento. Nonostante sfide considerevoli, alcune donne nell'arte riuscirono ad affermarsi nei circoli creativi. Un esempio è l'artista Judith Leyster, che nel XVII secolo lavorò nello stesso periodo del maestro olandese Frans Hals. Le sue opere si distinguevano per uno stile simile. Sebbene Leyster fosse ancora molto stimata durante la sua vita, la sua arte cadde nell'oblio dopo la sua morte e riemerse solo quando si scoprì che sette dei suoi dipinti erano stati erroneamente attribuiti a Frans Hals. Solo nel 1893 il Louvre scoprì su un quadro, sotto la falsa firma di Frans Hals, il monogramma di Judith Leyster.
XIX secolo e primi cambiamenti
Poiché alle donne rimase ancora in parte precluso nel XIX secolo l'accesso alle accademie d'arte e alle reti professionali, dovettero imparare il proprio mestiere tramite lezioni private. La London Royal Academy of Art, per esempio, aprì le sue porte alle donne già nel 1860, quando l'artista Laura Herford fu ammessa per errore dopo aver presentato lavori firmati non con il suo nome completo, ma soltanto con le sue iniziali LH. In Germania, tuttavia, le donne furono accettate come studentesse d'arte solo nel 1919.
Questa esclusione delle donne dalle opportunità formative significò che esse furono spesso escluse ovvero dimenticate dalle correnti artistiche. Un esempio di ciò è il Bauhaus. Sebbene nel 1919 al Bauhaus di Weimar si iscrivessero più donne che uomini e il fondatore Walter Gropius affermasse che non vi fossero "differenze tra il sesso bello e il sesso forte", pochissime artiste del Bauhaus divennero famose e molte caddero nell'oblio.
Donne nell'arte: pioniere della Modernità
Le sfide per le artiste continuarono fino alla Modernità. Con l'avvento dei movimenti artistici moderni nel XIX e XX secolo, donne forti nell'arte iniziarono a emergere sempre più in primo piano. Artiste come l'espressionista Paula Modersohn-Becker osarono percorrere nuove strade e sfidare le norme tradizionali dell'arte. Nel 1906, per esempio, realizzò autoritratti considerati le prime autorappresentazioni di nudo della storia dell'arte.
In questo periodo anche molte altre artiste iniziarono a ribellarsi contro le barriere esistenti. La richiesta di parità e la ricerca di un'identità artistica individuale divennero temi centrali e portarono infine a un movimento artistico femminista.
Movimento artistico femminista
La fine degli anni Sessanta e gli anni Settanta segnarono, con l'inizio del movimento artistico femminista, una svolta per le donne nell'arte. Il movimento artistico femminista nacque come reazione diretta alla sottorappresentazione delle donne in gallerie e musei, nonché agli stereotipi di genere profondamente radicati nel mondo dell'arte. Molti artisti e artiste femministi, così come storici e storiche dell'arte, si dedicarono intensamente al ruolo della donna nel mondo dell'arte occidentale.
Un saggio particolarmente influente per il movimento artistico femminista fu lo scritto di Linda Nochlin pubblicato nel 1971 "Why Have There Been No Great Women Artists?" (in italiano: Perché non ci sono state grandi artiste?). Nel suo saggio Nochlin analizza per la prima volta gli ostacoli istituzionali che nel contesto occidentale hanno impedito alle donne di raggiungere successi simili nelle belle arti rispetto ai loro colleghi maschi.
Frida Kahlo come icona femminista
Frida Kahlo, una delle più influenti artiste del XX secolo, creò con i suoi autoritratti carichi di simboli un contributo unico alla storia dell'arte ed è oggi considerata un simbolo del femminismo. Le sue opere rispecchiano non solo le sue esperienze personali e i suoi dolori, ma si confrontano anche criticamente con temi come identità e corpo umano. Si liberò dai vincoli sociali del suo tempo ed era considerata una ribelle.
Durante la sua vita Kahlo fu spesso considerata soltanto come la donna al fianco di Diego Rivera, un noto pittore messicano. Come così spesso accade, a lei e alla sua opera fu attribuita un'importanza particolare solo dopo la sua morte nel 1954. Oggi Frida Kahlo è considerata non solo di gran lunga la pittrice più famosa del Messico, ma anche una delle donne più note nella pittura a livello mondiale.
Donne nell'arte oggi
Secondo uno studio congiunto della piattaforma internet "In Other Words" e "Artnet News" del 2019, la scena artistica è ancora oggi dominata dagli uomini. I ricercatori e le ricercatrici hanno analizzato dati di aste internazionali, gallerie leader e della fiera d'arte Art Basel. Il loro risultato mostra che dei 196,6 miliardi di dollari realizzati nel mondo tra il 2008 e il 2019 nelle aste, solo circa 4 miliardi di dollari (circa il due per cento) riguardavano opere di artiste.
Nonostante l'attuale tendenza secondo cui la maggioranza degli studenti nelle accademie d'arte è costituita da donne, continua a emergere una chiara sottorappresentazione delle donne artiste, in particolare di eccellenti scultrici contemporanee, in gallerie e musei. Questa discrepanza chiarisce che il progresso nel mondo dell'arte riguardo alla parità di genere non è ancora sufficiente.
Il gender pay gap è un tema fortemente discusso nel settore artistico
Nell'Equal Pay Day del 07 marzo 2023, la giustizia salariale nel mondo dell'arte fu al centro dell'attenzione con il motto "L'arte della parità salariale". Una valutazione dei dati della Künstlersozialkasse ha mostrato che oggi le donne nell'arte guadagnano circa il 24 per cento in meno rispetto ai loro colleghi maschi. Il gender pay gap tra le persone autonome attive nella cultura è quindi nettamente superiore alla media nazionale tedesca del 18 per cento nel 2022.
Uno sguardo al futuro
La storia delle donne nell'arte è una storia di lotta. Dai talenti nascosti del Rinascimento fino alle voci forti del movimento artistico femminista, le donne hanno contribuito a plasmare e trasformare il mondo dell'arte. In questo, rimasero spesso bandite dai libri di storia dell'arte. Nonostante i progressi e le voci forti delle artiste femministe, la parità è ancora lontana. Le donne nell'arte non sono solo muse, ma anche creatrici di importanza, che con la loro creatività e innovazione ispirano e cambiano il mondo.
