Martwa natura: Piękno w codzienności
"Nature morte aux tulipes" (Martwa natura z tulipanami) Pabla Picassa, "Bouilloire et fruits" (Dzbanek z owocami) Paula Cézanne’a lub Vincent van Gogh "Vase avec marguerites et coquelicots" (Wazon z chabrami i makami) – te martwe natury zostały sprzedane za ponad 40 milionów dolarów i znajdują się na liście najdroższych obrazów wszech czasów. Pokazuje to, że ten gatunek od wielu stuleci cieszy się ogromną popularnością zarówno wśród artystów, jak i publiczności. Być może wynika to z faktu, że martwe natury nie przedstawiają słynnych postaci, dramatycznych zachodów słońca ani scen bitewnych, lecz zwykłe, codzienne przedmioty, które jednak są ukazane w sposób niezwykle estetyczny i wirtuozerski. Do typowych motywów należą kwiaty, owoce, naczynia kuchenne, dziczyzna, ryby, książki, świece, zegary i owady. Dobór przedmiotów, ich liczba i sposób zestawienia na obrazie mogą się różnić w zależności od stylu, tematu i zamierzonej symboliki. Określenie "martwa natura" pochodzi od niderlandzkiego "Still Leven", używanego od początku XVIII wieku, równolegle przyjęło się też francuskie "Nature Morte". Wielu słynnych artystów ostatnich 300 lat zajmowało się tym tematem, między innymi Auguste Renoir, Claude Monet, Lovis Corinth, Alexej von Jawlensky, Max Beckmann, Paula Modersohn-Becker, Giorgio de Chirico, Kurt Schwitters, Andy Warhol, Markus Lüpertz i Jeff Wall.
Od XVII wieku martwa natura jest popularnym tematem
Przedstawianie codziennych przedmiotów w dziełach sztuki znane jest już od starożytności, lecz aby stać się samodzielnym gatunkiem, martwa natura potrzebowała jeszcze kilku stuleci. Jej początki sięgają zarówno starożytnego Egiptu, jak i greckiej oraz rzymskiej kultury antycznej. Z tego okresu znane są malowidła ścienne, mozaiki czy reliefy, które już wtedy bardzo przypominały ideę martwej natury. Podobne dzieła spotykane są również w późniejszych epokach, takich jak renesans, jednak przez długi czas aranżacje przedmiotów pojawiały się jedynie jako elementy tła w scenach, gdzie główną rolę odgrywały postacie. Dopiero około XVII wieku można mówić o rozwoju martwej natury jako samodzielnego tematu malarskiego. Od epoki baroku coraz więcej artystów w całej Europie komponowało swoje obrazy z prostych, codziennych przedmiotów. Szczególną popularność zyskały one w Niderlandach, a także w Hiszpanii i we Włoszech. W XVIII wieku, wraz z klasycyzmem, zainteresowanie malarstwem martwej natury nieco osłabło, lecz w XIX wieku to właśnie impresjoniści ponownie podjęli ten temat, tworząc studia kwiatów, owoców, broni czy zastawionych stołów. W kolejnych epokach martwa natura ostatecznie utrwaliła się jako samodzielny gatunek, a artyści znajdowali dla niej coraz to nowe, współczesne interpretacje. W malarstwie początku XX wieku po motyw ten sięgali zarówno kubiści, tacy jak Pablo Picasso i Georges Braque, jak i ekspresjoniści z grup "Brücke" i "Blauer Reiter". Także w kolejnych kierunkach, takich jak surrealizm i pop-art, martwa natura pozostała ważnym gatunkiem. Dzięki "Readymades" Marcel Duchamp stworzył – można powiedzieć – nawet trójwymiarowe wersje martwych natur. Dziś idea estetycznego układania i przedstawiania codziennych przedmiotów obecna jest nie tylko w sztuce, lecz także w innych dziedzinach życia. Zwłaszcza w fotografii – szczególnie reklamowej – inscenizacja przedmiotów codziennego użytku stała się osobną dyscypliną. A odkąd smartfony mają aparaty o wysokiej rozdzielczości, zdjęcia posiłków trudno sobie wyobrazić poza osiami czasowymi Facebooka, Instagrama i innych platform.
Czym jest martwa natura? Cechy wszechstronnego gatunku
Choć martwa natura w różnych epokach sztuki ostatnich stuleci była interpretowana na wiele sposobów, jej charakterystyczne cechy pozostały niemal niezmienne. Aż po sztukę współczesną, w której martwe natury są interpretowane w nowoczesny sposób, obrazy te przedstawiają niemal wyłącznie nieożywione przedmioty codziennego użytku. Najczęściej malowane są kwiaty, owoce, warzywa, upolowana zwierzyna i ryby, pieczywo, naczynia, sztućce, broń, książki czy instrumenty muzyczne. Wielką sztuką jest tutaj staranne ułożenie obiektów, ich oświetlenie oraz malarskie opracowanie. Choć martwe natury bywają niezwykle szczegółowe, nie chodzi w nich o maksymalny realizm. Raczej stwarzają one złudzenie prawdy, oferując jedynie iluzję rzeczywistości. W swojej często perfekcyjnej, bogatej i zmysłowej formie stają się zwierciadłem tęsknot i pragnień oglądających.
Również sam proces malowania martwej natury ma swoje specyfiki. W przeciwieństwie do innych gatunków, takich jak portrety czy pejzaże, przedstawione przedmioty pozostają niezmienne przez dłuższy czas. Dlatego te motywy nadają się szczególnie dobrze do długich studiów i pracy nad przedstawieniem obiektów. Wielu artystów wykorzystywało martwą naturę do ćwiczenia umiejętności przedstawiania przestrzeni, światła, kompozycji kolorystycznej i perspektywy. Także Vincent van Gogh miał używać tego gatunku, by eksperymentować z różnymi sposobami malowania i nakładania farby. "Martwe natury są początkiem wszystkiego" – miał powiedzieć ten niderlandzki malarz.
W martwej naturze symbolika przedmiotów odgrywa ważną rolę
Oprócz artystycznego przedstawienia i inscenizacji obiektów, w martwych naturach ogromne znaczenie ma symbolika przedmiotów. Zarówno w całości, jak i pojedynczo, wiele elementów niesie drugie, głębsze znaczenie. Duże bukiety kwiatów lub owoców są symbolem dobrobytu, zwłaszcza jeśli pochodzą z egzotycznych miejsc. Martwe natury z upolowanymi zwierzętami i bronią również oznaczają luksus, podobnie jak obrazy z bogato zastawionymi stołami. Poszczególne przedmioty mogą też nieść konkretne przesłania: cukier oznacza rozkosz, cytryna – umiarkowanie. Chleb i wino odnoszą się do chrześcijańskiej Eucharystii, a ostrygi symbolizują grzeszną pokusę. Bluszcz i kłosy zboża mogą oznaczać życie wieczne i odrodzenie, a kwitnące kwiaty – miłość i piękno. Niektóre gatunki kwiatów mają też bardziej specyficzne znaczenia, jak goździki czy róże z kolcami, które symbolizują cierpienie Chrystusa. Na osobny podgatunek wykształciły się tzw. obrazy vanitas. Za pomocą różnych przedmiotów przypominają one o przemijaniu człowieka, zachęcając oglądających do moralnej refleksji nad własnym życiem i egzystencją. Czaszka jednoznacznie wskazuje na kres życia. Bardziej subtelne, lecz podobne w znaczeniu, są płonące świece, zegary i klepsydry, potłuczone szkło, więdnące kwiaty, gnijące owoce oraz chrząszcze, robaki i muchy. Z biegiem historii martwej natury znaczenie symboliki i dydaktyczny charakter stopniowo malały, ustępując miejsca czystemu wrażeniu estetycznemu. Charakterystyczne elementy pozostały jednak obecne i można je odnaleźć także we współczesnych dziełach, które interpretują martwą naturę na nowo.
