Berühmte Pop-Art-Künstler: Lichtenstein, Warhol, Haring

Kunst aus dem Alltag – für den Alltag: Die Pop-Art zählt zu den bedeutendsten Epochen des 20. Jahrhunderts. Ihre Kunstschaffenden rüttelten an mehreren Grundfesten der bildenden Kunst. Dies begann schon bei den Motiven: Viele Pop-Art-Künstler und -Künstlerinnen ließen sich von Konsumgütern und der Massenkultur zu ihren Werken inspirieren. Außerdem führten sie neue Techniken ein und legten Wert darauf, dass ihre Kunst erschwinglich oder gar frei öffentlich zugänglich ist.

Trotz vieler Gemeinsamkeiten lässt sich die Frage "Was ist Pop-Art?" nicht pauschal beantworten. Dafür waren die Kunstschaffenden, Techniken und Werke dieser Phase zu vielfältig. Aber ein Blick auf drei berühmte Pop-Art-Künstler – Roy Lichtenstein, Andy Warhol und Keith Haring – verdeutlicht exemplarisch sowohl die wesentlichen Merkmale als auch die verschiedenen Spielarten der Pop-Art. Diese drei Künstler prägten maßgeblich diese Epoche und gelten auch heute noch als ihre wichtigsten Vertreter.

Roy Lichtenstein – mit Rasterpunkten zum Ruhm

Roy Lichtenstein (1923–1997) zählt zu den Schlüsselfiguren der amerikanischen Pop-Art. In seinen Werken schlug er die Brücke zwischen Alltags- und Hochkultur. Kleine, vermeintlich unscheinbare Fragmente aus Medien und Popkultur inszenierte er wie Meisterwerke der Kunstgeschichte in großen Formaten und in Öl gemalt. Sein unverkennbares Markenzeichen waren schwarze Rasterpunkte, mit denen er die Flächen seiner Bilder auffüllte.

Wie viele andere Kunst-Pioniere stieß Lichtenstein unter vielen seiner Zeitgenossen zunächst auf Ablehnung. Heute aber ist sein Beitrag zur Entwicklung der bildenden Kunst unbestritten und seine Werke sind in allen wichtigen Ausstellungshäusern und Sammlungen der Welt vertreten.

Am Anfang standen Mickey Mouse und Donald Duck

Roy Lichtenstein hatte seit seiner Jugend ein Faible für die bildende Kunst. Er besaß großes Talent, doch eine Karriere als selbstständiger Künstler ließ zunächst noch auf sich warten.

Nach Stationen an verschiedenen Kunstakademien war er anfänglich als Kunstdozent sowie als technischer Zeichner und Designer tätig. Parallel setzte er aber die Arbeit an eigenen Kunstwerken fort. 1950 hatte er eine erste Ausstellung, die allerdings ohne nennenswerten Erfolg blieb. Dies sollte sich Anfang der 1960er-Jahre ändern.

1962 hatte er bereits seine erste Einzelausstellung in der Galerie von Leo Castelli, die zu einem großen Erfolg wurde. Auch an der Ausstellung "The New Realists" in der Sidney Janis Gallery in New York nahm Lichtenstein teil. Bei dieser Veranstaltung wurden erstmals in einem größeren Rahmen Werke vieler Pop-Art-Künstler wie etwa Claes Oldenburg und Andy Warhol gezeigt. Spätestens jetzt hatte sich Lichtenstein als einer der wichtigsten Vertreter dieser Kunstrichtung etabliert.

Lichtensteins Stil widersprach dem künstlerischen Zeitgeist

Was der heute berühmte Pop-Art Künstler Roy Lichtenstein mit seinen Werken präsentierte, hatte mit dem Kunst-Kanon der 1960er-Jahre wenig zu tun. Dies galt sowohl für seine Art der Darstellung als auch die Wahl seiner Motive.

In der Hochphase des Abstrakten Expressionismus kehrte Lichtenstein zur Gegenständlichkeit zurück. Von einer realistischen Kunst war seine Arbeit aber weit entfernt. Vielmehr entwickelte er einen einzigartigen modernen Stil, der deutliche Parallelen zur Ästhetik von Comic-Strips aufwies.

So reduzierte Lichtenstein die Bildgegenstände bis auf ihre notwendigsten Details:

• Die Konturen betonte er häufig mit dicken schwarzen Linien.
• Seine Bildszenen hatten kaum räumliche Tiefe.
• Die Farbpalette beschränkte er massiv und verwendete in seinen Werken oft nur wenige Primärfarben.

Lichtensteins ohne Frage wichtigstes Gestaltungselement und unverkennbares Markenzeichen aber waren die Rasterpunkte. Diese Technik hatte er aus der Druckindustrie übernommen. Um Farbe zu sparen, war man beim Druck von hohen Auflagen dazu übergangen, Farbflächen durch ein Punktemuster zu ersetzen. Das menschliche Auge nahm dieses Raster als gleichmäßige Fläche wahr.

Auch bei den Bildwelten betrat Roy Lichtenstein Neuland. Die Inspiration für seine Motive fand er in den kleinen, vermeintlich banalen Dingen des Alltags – ein Merkmal, das typisch für viele berühmte Pop-Art-Künstler werden sollte.

Als Quelle für seine Bildthemen diente ihm das unmittelbare Alltagsleben, vor allem Comics, Illustrationen und andere Publikationen. Zu "Look Mickey" soll ihn beispielsweise ein Kaugummi-Papier angeregt haben.

Er griff aber auch auf vergangene Kunstepochen zurück. Wiederholt zitierte er Stilmittel von Kubismus oder Surrealismus und kombinierte sie mit seiner eigenen Bildsprache.

Roy Lichtsteins reduzierte, fast kühle Motive kamen in der Kunst der 1960er-Jahre einer Revolution gleich. Doch eine Botschaft oder Mission hatte er mit seiner Kunst nie verknüpft. Er verstand sich nicht als ein politischer Künstler und wollte weder "der Gesellschaft etwas beibringen" noch "unsere Welt in irgendeiner Weise verbessern", wie er selbst einmal sagte.

Dennoch war seine Kunst alles andere als banal oder inhaltsleer. Seine Bildaussagen waren eher subtiler Natur. So lassen sich in vielen Werken durchaus kritische bis ironische Kommentare zu Massenmedien, Konsumgewohnheiten und Populärkultur finden.

Außerdem wollte Lichtenstein nach eigenen Aussagen das Publikum dazu anregen, sich mit der Produktion und Rezeption von Bildern auseinanderzusetzen. Ob amerikanischer Lifestyle, teure Statussymbole, die Glitzerwelt der Prominenten oder mediale Inszenierungen – Lichtenstein entzauberte sie und holte sie in seinen Werken auf den Boden der Tatsachen zurück.

Der berühmte Pop-Art Künstler schuf mehrere Meisterwerke

Mit seinem Minimalismus und der Maltechnik mit Rasterpunkten leistete Lichtenstein bedeutende Pionierarbeit für die Pop-Art. Er schuf zudem zahlreiche Werke, die heute als Ikonen dieser Epoche gelten:

• Zu den Highlights zählt zweifelsohne "Look Mickey" von 1961, das zum Meilenstein nicht nur seiner eigenen Karriere, sondern der gesamten Pop-Art wurde.
• Ebenfalls Anfang der 1960er-Jahre veröffentlichte er mit "Whaam!" ein weiteres seiner wichtigsten Werke. Das Diptychon zeigt auf der linken Bildhälfte ein Kampfjet, das eine Rakete abfeuert. Auf der rechten Seite explodiert zeitgleich ein weiteres Flugzeug. Die namensgebende Sprechblase mit dem Wort "Whaam!" ist in großen Lettern in der Mitte des Bildes platziert.
• Zu Lichtensteins Hauptwerken gehört auch "M-Maybe" aus dem Jahr 1965. Es zeigt eine junge blonde Frau vor einer Skyline mit der Gedankenblase "M-Maybe he became ill and couldn‘t leave the studio". Es wurde 1968 auf der documenta 4 gezeigt und gehört heute zur Sammlung des Museum Ludwig in Köln.

Vom "möglicherweise schlechtesten Maler" zum Wegbereiter der Pop-Art

Roy Lichtenstein galt zu seiner Zeit noch nicht als der berühmte Pop-Art-Künstler, als der er heute wahrgenommen wird. Ganz im Gegenteil: Zu Beginn seiner künstlerischen Laufbahn stießen seine Werke sogar noch vielfach auf Unverständnis.

Für Kritik sorgte vor allem, dass er die Grenzen zwischen Kunst und Alltagskultur ignorierte. Auch seine Ästhetik erschien vielen Kommentatoren schlicht als der bildenden Kunst unwürdig. So stellte das US-Magazin "Life" 1964 die Frage in den Raum, ob es sich bei Lichtenstein möglicherweise um den schlechtesten Künstler der Vereinigten Staaten handele. Das Publikum hingegen tat sich bedeutend leichter mit seiner Kunst nah am Alltag der Menschen.

Heutzutage findet seine künstlerische Pionierleistung uneingeschränkt die verdiente Anerkennung. Lichtensteins Status erlangten nur wenige andere bekannte Künstler der Pop-Art wie Andy Warhol oder Robert Rauschenberg.

Er sorgte wie andere berühmte Pop-Art-Künstler für einen radikalen Umbruch in der bildenden Kunst. Sein Einfluss auf Kunst und Design wirkt bis heute nach. Sein minimalistischer Stil und die Rasterpunkte wurden schon unzählige Male von nachfolgenden Künstlergenerationen kopiert und zitiert. Dies beweist, wie visionär und zeitlos Roy Lichtensteins Kunst ist.

Der bekannteste Pop-Art-Künstler: Andy Warhol

Kein Künstler verkörpert die Pop-Art so sehr wie Andy Warhol (1928–1987). Sein Name ist weit über die Grenzen der Kunst hinaus bekannt und steht sinnbildlich für eine der bedeutendsten Epochen des 20. Jahrhunderts.

Wie viele andere, später berühmte Pop-Art-Künstler und Künstlerinnen suchte auch Warhol seine Motive bei allem, was die amerikanische Konsum- und Mediengesellschaft repräsentierte. Er schuf zahlreiche ikonische Werke wie "Campbell's"-Suppendosen oder Porträts von Marilyn Monroe. Zugleich machte er den Siebdruck sowie die serielle Produktion von Kunstwerken salonfähig. Mit seinem Wirken hat er nachhaltig die Kunstgeschichte verändert. Noch heute profitieren viele Künstlerinnen und Künstlern von seinem Pioniergeist und seinem Ideenreichtum.

Vom Werbegrafiker zum Pop-Art-Superstar

Andy Warhols Erfolg kam nicht über Nacht. Es brauchte mehrere Etappen, bis er seinen Status als der bekannteste Pop-Art-Künstler erreichte.

Warhol, bürgerlich Andrew Warhola, war Sohn tschechoslowakischer Einwanderer und stammte aus bescheidenen Verhältnissen. 1949 schloss er in Pittsburgh ein Studium in Malerei und Design ab. Noch im gleichen Jahr zog er nach New York um. Er schlug sich zunächst mit Gelegenheitsarbeiten durch, machte sich aber bald einen Namen als Grafiker und Designer. Mit grafischen Arbeiten hatte Warhol auch seine ersten Ausstellungen 1952 und 1956.

Ab Ende der 1950er-Jahre konzentrierte er sich aber vollständig auf seine Karriere als bildender Künstler. 1962 eröffnete er die legendäre "Factory" – eine Mischung aus Atelier, Werkstatt und Produktionsstätte, aber auch ein beliebter Treffpunkt für Kunstschaffende und Prominente. Hier entstanden viele seiner seriellen Werke sowie mehrere Filme.

Alltagsmotive, Siebdruck, serielle Produktion: Andy Warhols Stil

Mit seinem künstlerischen Konzept setzte sich Andy Warhol über viele traditionelle Konventionen der bildenden Kunst hinweg. Der berühmte Pop-Art-Künstler definierte Motive, Technik und Herstellungsprozess grundsätzlich neu. Zu seinen größten Innovationen gehörte, dass er Alltagsgegenstände zu seinen Motiven machte und den Siebdruck sowie die serielle Produktion von Kunstwerken einführte.

Andy Warhol war ein scharfer Beobachter der amerikanischen Konsumgesellschaft. In ihren Massenmedien und Alltagsprodukten fand er auch seine Motive. Besonders inspiriert wurde er von:

• Zeitungsbildern
• Werbungen
• Comics
• Konsum- und Luxusgütern
• prominenten Persönlichkeiten aus Politik, Kultur und Sport.

Auch wenn er sich nie als ein politischer Künstler verstand, sprach aus seiner Form der Bearbeitung von Fotos und Bildzitaten immer auch eine ironische bis kritische Haltung gegenüber der Gesellschaft sowie der Konsum- und Medienwelt.

Ihm lag sehr daran, seine Werke einem großen Publikum zugänglich machen zu können. Möglichst viele Menschen sollten seine Arbeiten verstehen, sie sich aber auch leisten können. Im Siebdruck fand er dafür die perfekte Technik. Anfang der 1960er-Jahre hatte Warhol dieses ursprünglich industrielle Druckverfahren für sich entdeckt. Nun konnte er seine Kunstwerke in nahezu unbegrenzten Auflagen produzieren. Die serielle Massenproduktion generierte nicht zuletzt aber auch regelmäßige Einnahmen, die ihm finanzielle Sicherheit für seine zahlreichen Unternehmungen gaben.

Der Siebdruck war für Warhol aber nicht nur ein technisches Verfahren zur Herstellung und Vervielfältigung seiner Werke. Er machte ihn auch zu einem zentralen gestalterischen Mittel bei der Werkproduktion. So hatten die Abzüge, die im Siebdruck entstanden, durch ihr Raster bereits eine sehr individuelle Ästhetik.

Dem Siebdruck war es auch geschuldet, dass Warhol meist mit nur wenigen Farben arbeitete. Er hatte seine gesamte Bildsprache ohnehin stark reduziert. Er trug die wenigen, oft grellen Farbtöne in großen Flächen auf. Gleichzeitig betonte er die charakteristischen Konturen des Motivs durch schwarze Linien.

Ein weiteres typisches Merkmal seiner Arbeit war die Wiederholung. Warhol übertrug dabei die Grundidee der Vervielfältigung unmittelbar auf seine Bilder. In vielen seiner Werkreihen wiederholte er die gleichen oder sehr ähnlichen Motive innerhalb eines Bildes. Manchmal variierte er die einzelnen Bildausschnitte, indem er sie mit unterschiedlichen Farben kolorierte.

Viele Motive Warhols wurden zu Meilensteinen der Pop-Art

Nur wenigen anderen Künstlerinnen und Künstlern gelang es, so viele weltberühmte Werke mit ikonischen Motiven herzustellen wie Andy Warhol. Ohne Zweifel das wichtigste Motiv – sowohl für seine Karriere als auch die Kunstgeschichte – war "Campell's Soup Can". 1962 schuf Warhol die erste Siebdruck-Serie mit dem legendären Suppen-Etikett. Auf das Motiv griff er in seiner Karriere immer wieder zurück und schuf Varianten in unterschiedlichen Farben oder mit mehrfachen Wiederholungen.

Für die Malerei bedeutete die Veröffentlichung des Suppendosen-Motivs ein Meilenstein: Warhol hatte erstmals einen vermeintlich banalen Alltagsgegenstand in ein weltweit beachtetes Kunstwerk verwandelt. Es folgten weitere Konsumartikel wie Coca-Cola-Flaschen, ein Mercedes oder ein Chanel-Flacon.

Geradezu zu Selbstläufern entwickelten sich Porträts, die Warhol von prominenten Persönlichkeiten des Zeitgeschehens anfertigte. Dazu zählten unter anderem

• Liz Taylor,
• Mick Jagger,
• Jackie Kennedy,
• John Lennon,
• Debbie Harry,
• Joseph Beuys,
• Michael Jackson oder
• Elvis Presley.

Für besonderes Aufsehen sorgte sein Porträt des chinesischen Staatspräsidenten Mao Zedong, der wegen seines sozialistischen Kurses und der "Kulturrevolution" dem amerikanischen Zeitgeist grundsätzlich widersprach.

Sein wichtigstes Porträt aber schuf Warhol 1962 mit dem "Marilyn Diptych". Kurz nach dem Tod der legendären Schauspielerin hatte Warhol ein Foto entdeckt, das im Zusammenhang mit dem Film "Niagara", in dem Monroe die Hauptrolle spielte, veröffentlicht worden war. Für das "Marilyn Diptych" reproduzierte er das Foto jeweils 25-mal. Die linke Seite des Diptychons kolorierte er mit wenigen Farben, die rechte reduzierte er auf Schwarz und Weiß.

Wie die Campell's Suppendosen wurde auch Andy Warhols Marilyn zu einem Meilenstein der Pop-Art. Das Promotion-Foto von Marilyn Monroe griff er in seiner Karriere mehrmals wieder auf, zum Beispiel in "Shot Marilyn" 1964 oder der großen Reversal-Serie Ende der 1970er-Jahre.

Neben Prominenten und Alltagsgegenständen hatte Warhol noch weitere Themenschwerpunkte, zum Beispiel

• Tierdarstellungen (Zebra, Nashorn, Kuh),
• Pflanzen ("Tropical", "Flowers"),
• Unfall- und Katastrophenbilder ("Death & Desaster"-Serie, "Car Crash") oder
• Comics (Superman, Mickey Mouse).

Viele dieser Werke zählen heute ebenfalls zu den bedeutenden Werken des 20. Jahrhunderts.

Bekannter Pop-Art Künstler: Keith Haring – New Yorks Underground-Ikone

Seine knalligen Bilder mit simplen Figurenzeichnungen haben schon seit Jahrzehnten Kultstatus: Keith Haring (1958–1990) repräsentiert wie nur wenige andere die Kunst der 1980er-Jahre. Mit seiner minimalistischen und universellen Bildsprache gelang es ihm, Menschen auf der ganzen Welt anzusprechen.

Auch wenn seine Werke vordergründig immer fröhlich wirken, transportieren sie häufig ernste und wichtige Botschaften. Er beherrschte zudem scheinbar mühelos den Spagat zwischen subkultureller und kommerzieller Kunst. Er bespielte sowohl die Wände der New Yorker U-Bahn als auch von angesagten Galerien.

Seine Werke sind heute in allen renommierten Kunsthäusern und Sammlungen der Welt vertreten, zum Beispiel im Museum of Modern Art, New York, im Museum Folkwang, Essen, in der Albertina, Wien oder der Tate Gallery, London.

New York der 1980er-Jahre – der perfekte Nährboden für Keith Harings Karriere

Keith Harings künstlerische Karriere hätte wohl kaum in einer anderen Stadt als New York so erfolgreich verlaufen können. In der pulsierenden Kulturszene der amerikanischen Metropole fand er einerseits Inspiration, andererseits aber auch genügend Freiräume, um seine Ideen umzusetzen.

Schon in seiner frühen Kindheit hatte er Interesse an Malerei und Zeichnung gezeigt. 1976 begann er ein Studium der Werbegrafik an der "Ivy School of Professional Art" in Pittsburgh. Doch bereits nach zwei Jahren zog er nach New York und schrieb sich in der "School of Visual Arts" ein.

An der renommierten Privatschule erlernte er das künstlerische Handwerk, doch ebenso groß war der Einfluss, den die Club- und Subkultur New Yorks auf ihn ausübte. Anfang der 1980er-Jahre war es vor allem die Hip-Hop-Szene mit Rap, Breakdance und Graffiti, die schnell an Popularität gewann. Aber auch Kunstschaffende aus vielen anderen Genres wie Film, Musik, Performance und bildender Kunst organisierten sich zu einer vielfältigen und dynamischen Kunstszene.

Der bekannte Künstler der Pop-Art knüpfte Kontakte zu zahlreichen Künstlerinnen und Künstlern, u.a. auch Andy Warhol und Jean-Michel Basquiat. Inspiriert von Graffiti und Pop-Art entwickelte er seinen unverwechselbaren Stil und konnte sich schnell international einen Namen machen.

1982 hatte er bereits seine erste Einzelausstellung in New York. Im gleichen Jahr wurde er zur documenta 7 in Kassel eingeladen. Es folgten 1983 Teilnahmen an der Whitney Biennale sowie der Biennale von São Paulo. 1986 erhielt der bekannte Künstler der Pop-Art den Auftrag, in Amsterdam ein 12 Meter hohes Wandbild anzufertigen.

Bis zu seinem frühen Tod mit nur 31 Jahren hatte der berühmte Pop-Art-Künstler in vielen renommierten Kunsthäusern der Welt ausgestellt, davon rund 50 Einzelausstellungen.

Strichmännchen mit Botschaft: Keith Harings Stil

Strichmännchen, Höhlenmalerei, Comics, Kinderzeichnung: Um Keith Harings Stil zu beschreiben, wurden immer wieder die verschiedensten Parallelen zu anderen künstlerischen Ausdrucksformen bemüht. Doch keiner dieser Erklärungsansätze wird seiner individuellen Bildsprache gerecht.

Ohne Frage war der Minimalismus eines der Leitmotive Harings. Ihm gelang es, mit wenigen bildnerischen Mitteln einen starken Ausdruck und verständliche Botschaften zu transportieren. Konsequent hatte er seine Bildobjekte bis auf ihre wesentlichen Merkmale reduziert. Häufig blieben nur noch wenige Konturen übrig, die er mit dicken schwarzen Linien betonte. Er verzichtete außerdem vollständig auf räumliche Tiefe und färbte große Flächen seiner Bilder monochrom ein.

Haring malte nicht nur sehr minimalistisch, sondern staffierte seine Werke auch mit nur wenigen Bildgegenständen aus. Häufig brauchte er nur eine oder zwei Figuren, um eine Szene mit einer symbolischen Botschaft zu erschaffen.

Bei seinen Motiven griff er auch nicht wie viele andere berühmte Künstler der Pop-Art auf Alltagsgegenstände oder Medieninhalte zurück. Vielmehr tummelten sich in seinen Werken meist menschenähnliche Figuren, aber auch Tiere sowie andere Objekte wie Herzen oder fliegende Untertassen.

Häufig entfernte er sich auch gänzlich von der gegenständlichen Darstellung und entwarf Werke mit großflächigen abstrakten Mustern. Ob figurativ oder abstrakt – alle seine Werke tragen seine typische Handschrift und sind sofort als ein "Haring" zu erkennen.

Keith Haring wollte die Kunst demokratisieren

Erstmals aufmerksam auf sich gemacht hatte Keith Haring Anfang der 1980er-Jahre mit Street Art. Sein bevorzugtes Arbeitsgebiet waren die U-Bahn-Stationen von New York. Als Leinwände dienten ihm ungenutzte Werbetafeln, die in allen Metrostationen zu finden waren. Auf ihrem schwarzen Untergrund hinterließ Haring mit weißer Kreide seine Zeichnungen – selbstverständlich illegal. Allerdings waren sie genauso schnell wieder verschwunden, wie sie entstanden waren, denn sie wurden meist wieder mit Werbeplakaten überklebt.

Zwischen 5.000 und 10.000 Varianten der "Subway Drawings" soll Haring bis Mitte der 80er-Jahre geschaffen haben. Diese Guerilla-Kunst machte ihn weit über die Grenzen New Yorks bekannt. Dabei widersprachen die "Subway Drawings" allem, was der Kunstbetrieb jener Zeit für die Präsentation und den Vertrieb von Kunstwerken vorsah:

• Sie existierten zeitlich nur sehr begrenzt.
• Sie waren vollständig öffentlich und konnten leicht – auch im Vorbeigehen – konsumiert werden.
• Sie ließen sich weder verkaufen noch an anderen Orten ausstellen.

Dies alles hatte Haring geplant und beabsichtigt. Sein Motto lautete, dass seine Kunst für alle Menschen ohne Beschränkung zugänglich sein sollte – auch außerhalb von Museen und Galerien. Damit folgte er der Tradition anderer berühmter Künstler der Pop-Art wie etwa Andy Warhol.

Auch als er bereits ein etablierter Künstler war, nutzte er immer wieder die Möglichkeit, großflächige Wandbilder im öffentlichen Raum zu gestalten, zum Beispiel in Pisa, Amsterdam, New York oder Barcelona.

Keith Haring engagierte sich auch in politischen und sozialen Projekten

Auf den ersten Blick verbreiten Harings Werke erst einmal gute Laune. Sie sind bunt, dynamisch, voller kindlicher Naivität und expressiver Freiheit. Man vermutet darin zunächst nichts Ernsthaftes oder Bedrohliches. Doch genau darin bestand Harings Strategie. Er benutzte eine sehr schlichte und leicht verständliche Bildsprache für eine große Bandbreite an Themen und Botschaften.

Doch er beließ es nicht bei der künstlerischen Auseinandersetzung mit den Problemen der Gegenwart. Er engagierte sich aktiv politisch und gesellschaftlich, etwa für Unicef oder in der Anti-Apartheidsbewegung. Als 1988 bei ihm eine Infektion mit AIDS diagnostiziert wurde, gewann für ihn die Aufklärung über die tödliche Immunkrankheit an Bedeutung.

Mit seiner intelligenten Kunst und seinem sozialen Engagement hatte Keith Haring bewiesen, dass man auch ohne Starallüren, Skandale und elitärem Habitus zu einem der bedeutendsten Künstler des 20. Jahrhunderts werden konnte.

Die berühmten Pop-Art-Künstler schrieben Kunst-Geschichte

Lichtenstein, Warhol, Haring – drei bekannte Pop-Art-Künstler, die diese Epoche maßgeblich prägten und mitgestalteten. Jeder der drei hatte auf seine Weise großen Pioniergeist bewiesen und eine unverwechselbare und zeitlose künstlerische Ausdrucksform entwickelt.

Auch wenn sie heute unter derselben Bezeichnung geführt werden, waren sie absolute Individualisten mit eigenem Stil, Kunstverständnis und Karriereverlauf. Dies gilt auch für zahlreiche andere bekannte Künstler der Pop-Art wie

• Claes Oldenburg,
• Tom Wesselmann,
• James Francis Gill,
• Robert Indiana oder
• Mel Ramos.

Sie alle trugen mit ihrem individuellen Stil maßgeblich dazu bei, die Pop-Art zu der bedeutendsten Kunstepoche der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts zu machen.

Ihr Einfluss ging aber weit über die Grenzen der Kunst hinaus. Sowohl auf die Mode, das Produkt-Design, die Mediengestaltung und viele Bereiche der Kultur wirkte sich die Pop-Art aus. Auch heute noch ist sie wegen ihrer bunten, leicht lesbaren Bildsprache mit Motiven, die jeder wiedererkennt, sehr beliebt.

Auch viele nachfolgende Künstlergenerationen griffen auf die Gestaltungsmerkmale und die Philosophie der Pop-Art zurück, zum Beispiel

• Nikki de Saint-Phalle,
• James Rizzi,
• Jeff Koons oder
• Mr. Brainwash.

Ausgewählte Werke der Pop-Art-Künstler